Don Henley

说到Don Henley(唐亨利)有些人或许会感到陌生， 但一提起他所属的乐团 The Eagles(老鹰合唱团)便不得不竖起大拇指啧啧称道这支美国流行乐坛最有创意也最成功的乐团之一。 而主唱Don Henley更是主导整个The Eagles音乐方向的重要舵手。 50、60年代， 那许维尔的WLAC电台以清晰且多样化的音乐播放在气氛绝佳的夜晚一点一滴地传进Don Henley小小世界中。 而俄克拉荷马市KOMA电台以及知名主持人Wolfman Jack 每晚的深夜节目从德州墨西哥的边境传出，跨越600公里传入Henley小小的收音机里，每晚他都将收音机放在被单下面，贴紧着耳朵倾听直到凌晨时分。 后来猫王崛起并带来了Chuck Berry、Little Richard、Jerry Lee Lewis、Fats Domino、Bobby Freeman、Chuck Willis、Bobby Blue Bland等人的歌声，而接下The Beatles的出现则让Don Henley的生活从此改变。 高中时代Henley与朋友Richard Bowden、Jerry Surratt共组了他的第一个乐团The Four Seeds(后来改名为Shiloh)，成员还包括了Jim Ed Norman(两人在北德州大学认识， 目前是华纳唱片公司纳许维尔的总裁）。 1970年他们在独立唱片公司Amos旗下发行了第一张专辑，而1971年的秋天他们组成了The Eagles， 以融合乡村、民谣、节奏蓝调与流行乐带出独特且前卫的美国音乐风格。 在他们长达10年的演唱生涯中，全球唱片销售量不但超过一亿，他们还赢得了4座葛莱美奖、5次专辑榜冠军， 也是历史上第1个拥有两张全美销售量超过1000万张专辑的团体。 其后Don Henley展开了个人演艺事业，成绩一样惊人。 1982年时推出的个人首张专辑《I Can`t Stand Still》以他在旋律上的天赋及歌词中所传递的热情信念、敏锐的社会政治观点， 使这张专辑成为当代最具代表性、最引人共鸣及最有音乐性的声音。 接下来于84年、89年推出的《Building The Perfect Beast》及《The End Of The Innocence》更让他拿下葛莱美奖最佳摇滚男艺人的奖项。可惜的是Don Henley自1989年后就暂停了所有的演唱活动， 并投身于环保工作当中。虽然在唱片公司缺席了将近10年之久，但是随着时间的历练Don Henley的音乐节奏、结构、情绪与内容方面更较以往平衡， 并以一贯的特色推出2000年最新专辑《Inside Job》。 即使Don Henley目前忙于音乐事业中， 他还是投注另一半的心力在环保与其它慈善事业上，参与了众多的相关工程和活动。

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W.C.Handy

1908年W.C.Handy 汉迪的出现，成了布鲁斯音乐发展史上的一个转折点。

　　W.C.Handy1873年出生在美国的佛罗伦斯城，作为黑人，他从小受到黑人音乐的熏陶，并且受过良好的音乐启蒙教育。二十多岁时，他担任是一个乐队的领队。1908年的一天，Handy带领他的乐队去为白人演出，其间却因演奏传统乐曲而被赶下了台。而取代他们的白人乐队反而演奏了生气勃勃的黑人音乐，并引起轰动。这次经历给了Handy极大的震动，他从此改变了乐队原有的风格。Handy以乡村布鲁斯为基础，从中糅进了爵士乐风格，感伤的情绪保持在适可而止的程度；对歌词的处理也是很重要的，尽量加进一些甜言蜜语对布鲁斯音乐也是很必要的。事实证明，Handy的改变是非常有效的。

　　1909年，乐队为市长竞选做助威活动，Handy为他的雇主爱德华·科普兰创作了一首布鲁斯歌曲“竞选之歌”。也许是有这首歌的原因，爱德华顺利当上了市长，可是他上任的第一件事就是下令关闭Handy等布鲁斯乐队赖以生存的彼尔大街的赌场。Handy为了表示不满，将“竞选之歌”的歌词做了改动，这就是布鲁斯音乐史上的名作《孟菲斯城的布鲁斯》，Handy也因此闻名于市。然而，当他带着这首歌的去纽约发展的时候，却倍受冷落，最后只卖了100美元。

　　不久，Handy与别人合伙在纽约创办了第一家黑人唱片公司——黑天鹅唱片公司。1914年，他创作了《圣路易斯的布鲁斯》，这首歌曲后来成为流传于全球的布鲁斯经典作品，从而奠定了他布鲁斯音乐开拓者的地位，在他去世后，人们尊称他为“布鲁斯之父”。

John Mayer

　Mayer是康乃狄克州人，从小听电台的流行乐长大。十三岁时邻居送给他一块史提夫雷范(Stevie Ray Vaughan)的录音带，这是他第一次接触蓝调音乐。自此Mayer开始学起吉他，才两年他便在当地蓝调酒吧登台演出，而且一鸣惊人。但是他很快就了解到，这不是他真正想要的。 　　Mayer说："我不想只是个最顶尖的吉他手，因为那充其量不过就是模仿别人，然后看看谁弹《天空在哭泣》(Sky Is Crying)弹得最好。我希望有人喜欢我的歌，然后弹出跟别人不一样的味道。" 　　Mayer非常注重培养自己的创作能力，虽然他吉他的技巧高超，但他尽量不炫耀，力求写出好听好记的歌曲。他十九岁就读百克里学院，但几个月后就发现自己喜欢"玩"音乐而不是"研究"音乐。他笑着说："那段学习经验很棒，至于上课就再说了。"亚特兰大的朋友劝他到南方看看，不久他就成了像"艾迪阁楼"这种亚特兰大流行歌曲作者聚会地点的常客。1999年他出了张EP名为《Inside Wants Out》，专辑里大部分的歌曲都是他个人独唱，也收录几首由乐队伴奏的歌曲。这张唱片将他充满活力、执着认真的声音表现的淋漓尽致。 　　当地的媒体很快就发现了Mayer，并且极力赞扬他的表现。《亚特兰大城市情报》(Atlanta CitySearch)就曾这样报导："这位年轻人知道怎样用他那六根琴弦和诚实的歌词捕捉所有乐迷的心。"《亚特兰大宪法报》(The Atlanta Journal Constitution)。 　　在Mayer身上发现巨星的特质：技巧成熟、令人印象深刻的吉他弹奏产生平易近人的大众摇滚音乐、非常上镜头、魅力横扫南方酒吧。 　　Mayer对歌曲创作的热情非常明显强烈，他说："背着吉他站在麦克风前，脑海中自然而然就会浮现出旋律，一下子就会有几千几百首歌曲跑出来，我爱死这种感觉了！生命里最棒的一刻，就是终于完成一首歌的那个夜晚。" 　　2000年三月，Mayer到德州奥斯汀参加知名的南南西音乐节(South by Southwest, SxSW)，之后便有许多音乐公司找他合作，Mayer最后则是选择了哥伦比亚唱片公司。那年秋天他开始录制专辑《发声中心Room For Squares》，制作人是John Alagia，他制作过大卫马修和班弗兹三人组(Ben Folds Five)的唱片。最新专辑《发声中心Room For Squares》中完全是真材实料的乐器演奏，还邀请了常和他现场表演的贝斯手David LaBruyere和鼓手Nir Zidkiyahu(来自Genesis)。Mayer非常兴奋，因为他终于得以和乐团一起合作，灌录唱片。Mayer说："只因为我一直没和乐团合作，大家就一直把我定位成不插电的民谣吉他手，实际上我是宁缺勿滥。上张专辑《Inside Wants Out》发行时，很多人都不太了解我真正想表达的是什么，我想大家听了这张就能体会。我想这张专辑已经达到了相当的水准。" 　　就是这样的执着，让Mayer一首接着一首写下去。他说："听到一首好歌，大家自然而然就会想知道是谁唱的。如果你可以提供乐迷这样的品质保证，他们就会一直听下去。"

Don McLean

　　DON McLEAN生于1945年10月2日，New Rochelle，New York。60年代早期Don在纽约州的俱乐部中以灌制唱片开始了他的演艺生涯，大多数时间里，Don 是一名游吟歌手。1970年他曾写了一首纪念“凡高”的音乐献词。Don 的首次亮相《TAPESTRY》专辑同年出版，但没能卖出去。艺术家联合会第二年和他签约并制作了American Pie的一个增加版，这首歌惊人地登上了英国排行榜第二，美国第一的位置。这首歌的同名专辑也获得成功。Don 也由此被认为是最有天赋和最有商业价值的新生歌手。尽管开头不错，Don 的演艺生涯在70年代中期却陷入了困境，好在他是一名具有强烈自我意识的歌手，1980年他凭借一曲Crying重登排行榜。之后，他的再版旧专辑也引起轰动，他个人也因此而进行大规模巡回演出。80年代以后，Don 转而向乡村音乐发展，不过仍处于流行音乐的主流。1991年，他那张已有20周岁的专辑American Pie 出乎意料的重返英国排行榜前 20 位， 这无疑又掀起了人们对他早先作品的兴趣 。1999 年凭借 OSCAR 金像电影《AMERICAN PIE》，DON McLEAN再度在世界范围内走红！

　　在这首著名的“AMERICAN PIE”（电影《美国派》的主题曲）中，您将听到最简单的音乐元素：吉他，贝斯，鼓，传统的钢琴声和人声。而DON McLEAN却从这些简单的乐器中传达出他内心中决非能用简单二字描述的讯息，它的民谣之风迅速的传递到了我们的心中！

 

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Willie Nelson

      Willie Nelson：威利-纳尔逊。
      70年代中期，纳尔逊身不由己地成为了以得克萨斯、奥斯丁为中心在身边发展起来的一个乡村-套滚“运动”带头人。他和他的各声是乡村音乐的主流，但他的重要性主要是体现在他与纳什维尔商业中心的抗衡上。
      纳尔逊于1933年3月30日出生在得克萨斯的阿伯特，在后摇滚乡村音乐中扮演了一个非常重要的角色。虽然他在70年代中期开始成名，但是他在60年代就与当时已经成名的歌星雷.普赖斯（Price, Ray）合作了《夜生活》（Nightlife）、与帕齐.克莱茵（Patsy Cline）合作了《疯狂》（Crazy）、与法龙.扬（Faron Young）合作了《你好，沃尔斯》（Hello Walls）和与比利.沃克（Billy Walker）合作了《可笑，时间怎么悄然逝去》（Funny how Time Slips Away）等作品，并且在Liberty和RCA公司出版了一系列唱片，如在Liberty公司出版了热门歌曲《触摸我》（Touch Me）。1965年，他又来到RCA，推出了两首同样出名的歌：《晚会已结束》（The Party's Over）和《再次动情》（Once More with Feeling），虽然没有获得多少成功，但也培养了一批追随者。
      70年代初，他与威龙.詹宁斯（Jennings, Waylon）一起，印发了“亡命徒乡村音乐”（outlaw Country）运动的出现。并在70年代中期一跃成为乡村明星。随后通过成功的专辑《红发怪人》（The Red headed Stranger）和歌曲《在雨中哭泣的蓝眼睛》(Blue Eyes Crying in the Rain），使它博得了流行音乐圈的认可。
      随后，为了时间和发展他在乡村音乐主题上独成一体的风格，他先后加入到Monument和Atlantic唱片公司。在monument公司的失败使他很快转入到RCA公司。在RCA公司，他出版的单曲也只能产生小范围的影响，在排行榜的最高位置也只有《带给我阳光》（Bring Me Sunshine,1969），最后他不得不离开RCA公司。商业上的失败使他感到失望，于是他决定退出乡村乐坛，回到了奥斯丁。在奥斯丁，他发现摇滚歌迷和传统的下等酒吧音乐听众都是很喜爱乡村音乐的，他看到了机会，于是重返乐坛。纳尔逊摈弃了流行的纳什维尔的声音和形象，取而代之的是受摇滚和民歌影响的“红脖子摇滚”（redneck）的亡命徒形象，这一改变果然奏效，不久他便赢得了Atlantic公司的一份合同。
      《快枪威利》（Shotgun Willie, 1973）是纳尔逊在Atlantic公司的第1张专辑，从中能看出他在风格上开始转变，尽管专辑最终卖得不是很好，但却赢得了评论界的好评并立即赢得了忠实的追随者。1973年秋，他翻唱了一首鲍勃.威尔斯（Bob Wills）的《坚持一夜（坚持一会儿）》[Stay All Night(Stay a Little Longer]，进入了乡村排行榜的前40名。第2年，他又出版了一张概念专辑《阶段和进展》（Phases and Stages），出现了两首热门歌曲《血腥玛丽的上午》（Bloody Mary Morning）和《火熄灭之后》（After the Fire Is Gone）。但是纳尔逊在商业上的真正突破是他1975年由Atlantic公司转到Columbia公司之后，在创作上，Columbia给了纳尔逊完全的自由，在Columbia公司出版的第1张专辑是《红头怪人》,这张专辑只有他的一把吉他和他姐姐的钢琴。公司对这样刻板的编曲也只好勉强同意出版，但其中翻唱罗伊.阿库夫（Roy acuff）的《在雨中哭泣的蓝眼睛》却成了大热门歌曲。
      随着《红头怪人》的商业成功以及威龙.詹宁斯在亡命徒乡村音乐上的同时成功，这种乡村音乐已成为纳什为户尔音乐的新境界，成了当时的一个热点。RCA公司也不失时机地把纳尔逊、詹宁斯等人早先在该公司录制的歌曲汇编成一张《通缉：亡命徒》（Wanted: The Outlaws）出版。这张集锦唱片吹嘘说其中的《好心女人》（Good Heated Woman）是纳尔逊和詹宁斯在近期录制的。
      在随后的5年间，纳尔逊的歌曲连续不断地出现在乡村和流行音乐的排行榜上，最成功的要数1978年，这一年，他有两张截然不同的专辑出现在排行榜上，一张是他与詹宁斯合作的首张专辑《威龙和威利》（Waylon and Willie），包括最为成功的单曲《妈妈别让你的孩子长大后成为牛仔》（Mammas Don't let Your Babies Grow up to Be Cowboys）；另一张是纳尔逊演艺生涯中非常规性的流行音乐专辑，但却意想不到地成为他最成功的专辑，在乡村排行榜上停留了近10年之久，卖掉了400万张。
      在《星尘》的成功之后，纳尔逊涉足电影界，在1979、1980年先后出演了《电子骑手》和《忍冬玫瑰》两部电影。稍后，《忍冬玫瑰》中的单曲《再次上路》（On the Road Again）成为纳尔逊另一首热门歌曲。

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温柔的摇滚,这是我对这首歌的印象,请手动试听.

Lou Reed

在摇滚史上有一个关于“地下丝绒”(The Velvet Underground)的老笑话：当年几乎没有多少人买乐队的第一张唱片，但这些买了唱片的人在后来都组建了他们自己的乐队。而真正的妙语是“每一位朋克、后朋克和先锋流行艺术家在过去的30年中都欠下了地下丝绒乐队一笔灵感的债务，哪怕只是受到了间接的影响。”在20世纪60年代末期乐队存在的日子里，他们经常被误解、经常被谩骂，但更多的是受到冷遇。不过，“地下丝绒”还是有争议地被认为是美国1965年之后最重要的摇滚乐队，它是70年代和80年代所有白人艺术噪音音乐的源泉，并且为摇滚创作中的暴戾的吉他弹奏以及带刺的现实主义的叙事歌词创作手法定下了一个普遍的标准。 你可以随意列出一大堆受其影响的著名人物的名字：David Bowie、Brian Eno、Patti Smith以及那些全部从CBGB俱乐部毕业的70年代的朋克乐手，还有The Cars、The Pretenders、Joy Division-New Order、U2、REM、Sonic Youth等等。 作为乐队的创作者，Lou Reed毫无困难地使他锋芒毕露的才能在禁忌、高价的爱和城市人的心智等方面的题材上得以展现。凭着他的对摇滚歌曲的天赋以及John Cale的实验性才能，他们演绎了许多惊世骇俗的作品。 同样地，在“地下丝绒”中着迷于矛盾声音和爆发性张力的不仅仅是Lou Reed和John Cale，而且还有性格内敛但极具力量的吉他手Sterling Morrison，不知疲倦的鼓手Maureen Tucker和拥有冷若冰霜声线的Nico(尼科).Nico是一位令人陶醉的德国女模特和演员，在1966至1967年间担任着“地下丝绒”歌手一职。乐队在一系列狂暴热烈的现场演出中开始变得有名起来，不过他们依旧可以通过一些慢民谣打碎你的心。Reed为Nico写了一些他最好的情歌，包括痛苦的订婚誓言“I'll Be Your Mirror”(我将是你的镜子)。“地下丝绒”，简单地说，就如同他们出生的城市纽约一样是活跃的患有精神分裂症的——完全没有为它自身作出辩解。当然他们也为此付出了很高的代价，至少在短时期内。“地下丝绒”没有什么竞争对手，他们在自己的作品中完全是特立独行的，并且当1970年由于Lou Reed离队而使这支乐队实际上走到路的尽头时，他们都精疲力尽、灰心丧气了。但是“地下丝绒”并非如摇滚学家们宣称的那样走在时代的前列。事实上他们的抱负是永恒的：追求艺术却没有使摇滚之心黯然失色。 不过单个的“地下丝绒”成员未必是摇滚预言家。出生于纽约布鲁克林的Lou Reed是一个会计师的儿子，他从小就学会了弹奏古典钢琴，14岁时就录制了他的第1张唱片。后来他进入了Syracuse大学追寻更多的文学灵感，并在当地酒吧与Sterling Moorrison一起演出。但大学毕业后Lou Reed放弃了他写一本伟大的美国小说的理想，他的第一份工作是给唱片公司作曲。Lou Reed在1964年认识了John Cale。Cale出生在威尔士，在伦敦学习现代音乐，由于获得伯恩斯坦奖学金来到了美国。John Cale被Lou Reed所创作的很特别的歌曲所打动，两人决心组建一支真正的乐队来演绎这些歌曲。在招募了Sterling Morrison和一位鼓手Angns Maclise之后，他们便上路了。 在考虑了如“战争之锁”、“掉落的鞋钉”名字之后，他们把队名定为“地下丝绒”(据说这是一本关于施虐——受虐狂的平装书的标题)。乐队开始排练并在一些实验电影中露面，不久Maclise退出乐队，Lou Reed和Sterling Morrison找来一位大学校友的妹妹Maureen Tucker担任了乐队鼓手。Tucker是一位计算机键盘操作员，她精确的节奏融合在了4/4拍的鼓的进行中，这也成为了“地下丝绒”的一个标志。 流行艺术的“国王”——Andy Warhol第一次看到乐队的演出是在1965年的格林威治村的比兹拉咖啡店，他当即意识到了“地下丝绒”的原创性和重要性，并马上与他们签约。作为该乐队的经理人，他安排乐队作大量的巡回演出，并利用他的个人知名度设法使乐队与MGM唱片公司的一个分支机构Verve唱片签下了合约。作为一位制作人，Warhal有着极为敏锐的感觉，他意识到Lou Reed叙事性歌曲创作下潜藏着的浪漫主义的力量，并将Nico介绍进乐队中作为一个歌手补充了演唱的份量。他同时鼓励Lou Reed最大限度地施展词曲作者的才华。在录制“地下丝绒”首张专辑《The Velvet Underground And Nico》(地下丝绒和尼科)时，Warhal向唱片公司施压并坚持将他Andy Warhal的名字列在封套上。这张唱片的推出，是录音界的一个重要事件。不过这张被认为最佳摇滚专辑之一的唱片由于种种原因被推迟了1年才推出，而且出版后由于“披头士”专辑《佩珀军士》的热卖而导致了“地下丝绒”专辑的被冷落，那时候极少有人认识到该专辑的价值。 从某种意义上讲，该专辑的出版也是乐队解散的开始。在专辑不受欢迎之后，乐队与Warhol分道扬镳，Nico成为了一位单独发展的艺人。而“地下丝绒”为了他们自己，也为了他们那些少得可怜的歌迷们，继续坚持下去。1968年1月推出了第2张专辑《White Light/White Heat》(白光/白热)，其中出现了更加前卫和独立的风格，而一首长达17分钟的“Sister Ray”(雷姐姐)更是成了该张专辑的一首标志性歌曲。由于Lou Reed在音乐观念上与John Cale的分歧加剧，1968年9月Cale在参加完波士顿的演出之后离开了“地下丝绒”。Doug Yule(道格·尤尔)代替了他在乐队中贝司的位置，而Lou Reed也在他的风格与听者之间做了一个平衡与调整，1969年出版的第3张专辑《The Velvet Underground》(地下丝绒)就在旋律上入耳和亲和了许多，并产生了许多有影响的歌曲。1970年，乐队的专辑《Loaded》(满载)终于进入了主流唱片市场。这张专辑出现了两首热门歌曲“Sweet Jane”(甜蜜的珍妮)和“Rock N' Roll”(摇滚乐)，以及Reed最有激情的叙事民谣“New Age”(新时代)。但Reed在这张专辑正式出版之前就离开了乐队，而此时乐队即将在大众中变得流行。没有了Lou Reed的“地下丝绒”一直坚持到1973年才正式解散。 在70年代和80年代期间，Lou Reed和John Cale都保持着他们当初在乐队时的精神进行单独的个人发展。1989年他们又重新走到一起表演并录制了向Andy Warhol致敬的唱片《Songs For Drella》(为德雷拉的歌)。1993年，解散了20多年的“地下丝绒”成员重新走在一起进行了巡回演出，但由于Lou Reed和John Cale长期不和，重组的乐队再度解散。 Lou Reed在个人发展生涯中出版了许多专辑，其中1972年与David Bowie一起制作的《Transformer》(变压器)中产生了Lou Reed到目前为止唯一的一首打入排行榜前20名的热门金曲“Walk On The Wild Side”(沿着荒凉之地行走)。而John Cale则成了一位很有影响的唱片监制，曾为Stooges与Patti Smith制作了首张专辑，同时他作为一名出色的词曲作者出版了一系列专辑唱片。“地下丝绒”的其他成员如Nico也出版了几张个人唱片，1988年她在西班牙一个岛上骑自行车遭遇车祸身亡。Maureen Tucker怀孕生子，之后也出版过唱片；Steling Morrison退出了摇滚界回到大学教英文，1995年因病去世。 “地下丝绒”是摇滚史上一支极其重要的乐队，在他们短暂的艺术生涯中不断地突破自我与大胆尝试，对后来许多乐队带来了启迪和精神鼓励。他们用自己的音乐语言创造了一种来之不易的赎救之声。从某种意义上讲，“地下丝绒”拯救了摇滚的生命。

我爱这样的女生!请手动试听.一首美丽的摇滚,女生哦!

Avril Lavigne

      绝不平凡！这对Avril Lavigne而言已经算是温和的形容词了。她是一个庞克女子、一个爆发力十足的灵魂，一个狂野不羁的女孩。她是那种大约两岁左右，就能够以声音引起人们激赏的怪胎。她是那种没办法乖乖坐在课堂上，但是却充满了自信和决心，并且一个人跑到纽约和洛杉矶去磨练创作技巧的小镇女孩。她是那种完全靠着自己的力量，为了成功不计代价，思想前卫的十七岁叛逆青年。“我才刚出道，我要清楚地做自己，我写出自己的感受，从不在乎其他人怎么想，”Avril坦诚。“我要穿出本色，做出本色，唱出本色。”
　　很明显地，Avril生来就是为了这些疯狂的事。身为排行中间的老二，却“老是想成为注意力焦点”的小孩，她注定要离开加拿大安大略省那个人口只有五千人的小镇纳帕尼（Napanee）。“我记得很小的时候，我站在床上，就像它是舞台一样，我扯着喉咙大声地唱，想像有好几千个人围绕着我。”从卧室开始，不论何时何地她都可以唱，像是在教堂里唱圣歌，或是参加音乐节，然后在展览会和歌唱比赛上表演乡村音乐，直到她被Arista唱片所发崛。
　　在送出去给各唱片公司她唱歌表演的录影带之后，她得到Nettwerk唱片公司的回覆，并告知她希望跟她签下试唱歌手的合约，这是她期待已久能够让她离开这个小镇的大好机会，“后来他们也要我帮忙写词这点很吸引我，于是我搬到纽约，因为我要和他们共同创作一段时间。”
　　这个发展听起来很简单，不过命运的发展却让Avril从此改变。“有一天，一个Arista的人来录音室听到我录音，后来他马上就请”LA”瑞德（Arista的老板）来听，”她继续说：“我就为他唱了两首，结果他马上就要和我签约，我还没机会和其他唱片公司谈呢，不过这状况真的很少，我是说，有人花了10年才谈到合约，所以我真是非常非常非常幸运！”
　　让”LA”瑞德和所有员工感到兴奋的是Avril生气蓬勃的鲜明个性和纯真的魅力，以及嗓音酷似娜塔莉和莉莎洛普的甜美流行、和艾拉妮丝莫莉赛特和蔻特妮勒芙的狂放不羁。“虽然有人这么说我，也不会让我改变，”她说：“我不在乎别人说什么，我只要做我自己，我也不会去学别人，我不是坏孩子，我只想要每天高高兴兴的过日子还有诚实做自己就好，真的很希望，大家能看到这一点。”
　　十六岁时，她搬到曼哈顿着手进行她的首张专辑。Avril投入创作过程。“我热爱创作，”她解释道。“当我心情不好或是真的需要脱离那种情绪的时候，我会拿起吉他。有时候我觉得我的吉他就是我的治疗师。”
　　尽管在纽约的管制时期中，Avril实际上是住在录音室里，但是她的努力一开始并没有获得回报。“我开始和这些才华洋溢的人们工作，但我就是没有那种感觉；那些歌曲并不能代表我，”她承认。“接着他们开始提到要找人写歌给我唱，但是我得自己动笔才行。我得做我自己的音乐。那时候压力真的好大，但是我从来没想过要放弃。”相反地，她飞到西岸去了。洛杉矶给了她所需要的崭新开始。
　　就是在那儿她遇到了制作人兼创作者克里夫麦格尼斯（Clif Magness），“我就像是，耶！我找到我要的人了！”她燃起了热情。我们实在太合了，因为他只管让我当头头，他真的了解我，而且让我做自己的事。在麦格尼斯以及后来加入的制作小组“母体”（The Matrix）的掌舵下，为《Let Go》所写的歌曲开始陆续出炉。很快地，Avril也与曾经捧红莎拉克劳克兰（Sarah McLachlan）、蒂朵（Dido）、“酷玩乐团”（Coldplay）以及“总数41合唱团”（Sum 41）的“网路经纪公司”（Nettwerk Management）搭上了线。
　　对于唱片的成果，Avril非常兴奋。“在过去的一年里，我真的蜕变成一个创作者了。〈Complicated〉并不是特别描写某一个人。基本上它是一首关于生活、伪装的人们和人际关系的歌曲。”至于她最爱的歌曲之一，“Losing Grip”，她说，“它讲的就是我的某一个前男友，他在情感上并没有满足我的需求。”Avril笑着说，“但现在都无所谓了，至少我因此而写出了一首好歌。”
　　如今她的专辑已经完工了，Avirl等不及要将它公诸于世。她开玩笑说，和那些摇滚小子们所组成的庞克乐团四处巡回演出，与她的童年也没什麽两样，“我一直都是个男人婆，我想我现在还是。我秋冬的时候打曲棍球，夏天的时候打棒球。我喜欢和男生一起玩。”
　　但是Avril的音乐却足以同时感动女孩与男孩，以及一些富于冒险精神的成人，而她也正尽力地朝此方向努力。“我等不及要出场了。我想要摇撼这个世界！我要人们知道我的音乐是真实而且诚恳的，是发自内心的。我只是想忠于自己。”
　　在她的首张专辑《Let Go》当中，Avril的确是这么做了。她的唱腔炫耀似的活力四射，她的嗓音一如水晶般清澈，而她的歌词更是流露出纯粹的女性风格。“Anything But Ordinary”是一首赞扬个体独特性的颂歌；吉他奔驰的首支单曲“Complicated”，是首正中爱情骗子要害的简洁歌曲；沾染了弦乐色彩的“Im With You”反映了Avril较为温和的一面；“Losing Grip”和“Unwanted”这些歌曲，勇敢地面对了拒绝与背叛这些主题所需要的沈重与悲哀；而接下来的“My World”与具有暗喻意味的“Mobile”，则是完美的展现了Avril的生活经验。“我有了这个让人肃然起敬的机会去实现我的梦想。我跑遍了各个地方，飞到这儿、飞到那儿，每天遭遇不同的事物，”她解释道。“这就是我的生活方式，但是我不愿意去过正常的生活，不然我会觉得很无聊。”

[此贴子已经被作者于2007-4-24 23:22:15编辑过]

JANIS JOPLIN　　在星光灿烂的布鲁斯乐坛上，曾经有一位极为耀眼的明星。曾几何时，这位美丽娇小的布鲁斯白人女歌手，以她那沙哑激昂的嗓音唱着黑人乡村布鲁斯歌曲，征服了亿万观众，她就是Janis Joplin（詹妮斯·乔普林）。一时间她的歌声犹如一场轩然大波席卷了欧美乐坛。

　　1945年1月19日，Janis出生在德克萨斯州的阿瑟港，当她还是小女孩的时候，就显示出她的与众不同。她谈得来的朋友不多，与同龄人的思想差异很大，因此她的童年安静而孤独。 Janis 17岁的时候，开始迷上了布鲁斯音乐，当时走红的布鲁斯歌星Bessie Smith成为她一生崇拜的偶像，Janis也从此立志要做一名布鲁斯歌手。

　　最初，Janis也象许多成名前的歌手一样在酒吧和夜总会驻唱，杂乱的环境和生活的艰辛曾经使她一度对唱歌丧失信心。然而，布鲁斯音乐对他地吸引，却始终使她不能放弃。1966年，Janis来到旧金山，加入了由吉他手James Gurley、Sam Ardew,贝斯手Peter Albin和鼓手David Getz组成的Big Brother乐队，成为他们的歌手。乐队由于Janis沙哑狂放的演唱在旧金山的舞台上取得了巨大的成功。

　　1967年对于Janis和Brother乐队是非常有意义的一年，在蒙特利尔流行音乐节上，他们翻唱的布鲁斯经典名曲《球与链》受到了传媒与音乐商的关注。这次演出的巨大成功，也使她们在1969年被永久的载入了猛特利尔流行演唱史册。Janis终于从一名驻唱歌手成为了布鲁斯明星。同年8月,Big Brother的首张专辑《Mainstream》（主流）推出，居排行榜60位。

　　1968年1月，Big Brother乐队与Bob Dylan的经理Albert Grossman签约，开始了全美演唱会的行程。这次的巡回演唱会使Janis拥有了大批的歌迷，他们为Janis的歌声所倾倒，他们在她面前欢呼，把她视为偶像。同年9月，专辑《Cheep Thills》（廉价恐惧）专辑推出，这张专辑一经推出，便反响强烈，同时赢得了金唱片奖。此时的Janisd也开始自己创作歌曲，《夏日阳光》、《我的一片心》和《乌龟布鲁斯》都是不错的作品。《我的一片心》还作为单曲在1968年发行，这首带有浓郁的布鲁斯风格的作品也在歌坛上获得了一致的好评。

　　正当乐队蒸蒸日上的时候，Janis却宣布退出乐队独立发展，Big Brother乐队也因此而解散。到1969年她和重组的The Kozmic blues Band于十月份推出专辑《I Get Dem Ol’Kozmic Blues Again Mama!》（妈妈，我再次得到了戴姆·奥尔考兹米克布鲁斯乐），这张专辑反响很好，居排行榜第五位，但是这支乐队也只维持到了年底就解散了。

　　1970年，Janis又组建了一支名为The Full-Tilt Boogie乐队，这支技术“精锐部队”与Janis的合作，乐坛上的评论褒贬不一，可是这支乐队却随着Janis疯狂的吸毒和酗酒从而失去了生命力。Janis的这些行为无疑是自毁前程。

　　1970年10月3日Janis因注射海洛因过量而突然死亡。人们深深惋惜这颗巨星的陨落，也同时看到Janis孤独彷徨的内心世界。1971年2月，她最后的专辑《珍珠》推出，荣登排行榜首位。1979年，影星Better micller主演了以Janis为原形的电影《玫瑰》。Janis是一位伟大的布鲁斯女歌手，她在布鲁斯音乐史上的造诣将深深影响着布鲁斯歌坛。

[此贴子已经被作者于2007-4-24 23:23:30编辑过]

请手动试听.

Richard Ashcroft

　　尽管Richard Ashcroft现年才28岁，但他觉得自己已象一个“老年人”，他以“比常人快3倍”的“摇滚速度”经历了一连串的人生变故。这也难怪，短短的几年时间里他的乐队The Verve还有他自己的个人生活都发生了太大的变化：1995年乐队散伙后又于1997年重新组队，并推出了广受推崇的《Urban Hymns》(城市圣歌)专辑，被Oasis誉为“最后一支摇滚乐队”；主唱Richard的一言一行被媒体追逐，随后他与Spiritualized乐队的键盘手Kate结婚生子；1999年The Verve再次宣布解散，Richard作个人音乐发展…… 　　2000年2月的一个下午，Richard在一艘泰晤士河游船上接受了记者的采访，谈起了The Verve的历史和他那“比常人快3倍”的生活。 Richard Ashcroft生长在英国的北方小城镇维根(Wigan)，中学时便与一帮朋友组成了乐队Verve。后来由于受到美国的爵士厂牌Verve的起诉，乐队更名为The Verve。1995年正当来自第二张专辑《A Northern Soul》《北方魂》中的单曲“History”(历史)广受好评时，乐队突然宣布解散。外界猜测乐队成员间的沟通问题、创作的艰辛、毒品问题及主唱Richard和天才吉他手Nick McCabe的长久不和导致了乐队的解体。“我是个可恶的家伙，”Nick在对外界解释时说：“他们厌烦透了我那张老是拉长的脸，我对任何事都容易发火，所以他们解雇了我。” 　　但Richard认为The Verve没有Nick不能继续存在下去。于是他离开了乐队，身无分文跑到了康维尔(Cornwall)过起了流浪生活。一年后他才重新回来，与乐队的剩余成员开始了《Urban Hymns》的录制工作。在唱片于1997年9月正式发行前的6个月，Richard和Nick终于冰释前嫌，两人再次为The Verve而合作，直到1999年4月28日乐队因为几乎与上次同样的原因而再次解散。但这次散伙前，他们实实在在红火了一把，《Urban Hymns》被誉为space－pop－country－rock(空间－流行－乡村－摇滚)的经典专辑，而Oasis的Noel Gallagher则称Richard为“摇滚船长”，并以他为灵感创作了“Cast No Shadow”。 　　谈起他在维根时的过去，Richard说：“早在5岁时我就意识到了生命的荒谬。”上学时，他由于过于神经质而被学校开除。“我是个十分容易紧张的家伙，而且经常控制不住地发抖。9岁时，我就在镇里游荡来游荡去，不停地想‘为什么在维根?为什么?’。” 11岁那年，Richard的父亲因脑溢血而去世，这让他真正地意识到了生命的意义。“如果我的父亲现在还活着的话，我的生活肯定不是现在这个样子。”Richard解释说：“他的死让我的生活飞快地加速了起来。幻想已经破灭——谁能预料明天会发生什么?——这不仅让我有点悲伤，更让我有种紧迫感，有种一种想要去闯荡、做更多事的愿望，我不愿意象我父亲那样，41岁一事无成地死去。” 当他14岁时，Richard开始变得充满自信，他总是尽量出跳，“因为我有一个大鼻子、一双厚唇，看上去有点异样。”随后音乐为他的生活注入了激情，1988年便有了Verve乐队，他们开始在维根的一个地下室排练，“最初做音乐的动机仅仅是为了打发无聊的时间”。受到继父的影响，Richard那时沉浸于迷幻艺术中，对于各种神秘的、实验的东西特别着迷，因此在乐队中也特别疯狂。表演时他会不停地摇头晃脑、四肢狂舞、上窜下跳，就是现在看来还是让人瞠目结舌。 　　“从11岁到26岁，这15年来生活一直以火箭般的速度发展着，我的父亲、我的家庭、The Verve、所有的一切并没有让我感到忧伤，我始终看到了好的一面。”看来Richard显然对他目前的处境相当满意。在经过了前一段时间的休整后，Richard开始了他的个人音乐生涯。 　　这张尚未命名的个人专辑目前录好了5首歌。其中的2首“Brave New World”(勇敢新世界)和“You On My Mind In My Sleep”(你在我睡梦中出现)带有Glenn Campbell、“猫王”式的乡谣－灵魂曲风(country－soul)，“I Get My Beat”则显得古怪、结构复杂，还有曲调异常悲伤的“Everybody”(每个人)，而专辑的首支单曲“A Song For The Lovers”(恋人之歌)则是首充满着阳光般的欢乐、可以随口跟唱的流行歌曲。这些并不是反叛的摇滚乐，它们只是些简单的、美丽的、动听的、宣泄情感的歌曲，给所有浪漫的情人们，所有敏感脆弱的、迷失在爱中的人们。McCabe鬼魅般的吉他声消失了，但它们仍听上去象The Verve下一张专辑中的歌，让人为之动容的歌。 　　“我想要创作那些让人哭泣或者给人们带来另一种心境的音乐。”Richard说道。这也难怪，Stone Roses的Ian Brown会认为The Verve的音乐很压抑。“看看300年前的诗歌，人们早就开始谈论这些内容了，爱、生命、死亡、对幸福的追求、悲剧、战争……这并没有什么压抑或什么不对。” 正因此Richard在《Everybody》中写下了如下的歌词： 　　 　　“每个人终将感受到死亡的重量/去发现你会将什么留置于身后/有时你没有机会去知道地点与原因/就让它将你脆弱的思维折断” 尽管听上如此悲伤，但事实上却充满着对生命的珍惜。而在现实生活中Richard和他的妻子Kate正在期待着一个新生命的诞生。 Richard和Kate初次相识于1992年，当时Spirituzlized乐队为Verve作暖场演出。在推出《A Northern Soul》之前的一段时间里两人相爱了。当Richard第一次见到Kate时便意识到她就是他的终生伴侣。“我在梦中叫着她的名字，梦想着和她度过余生。现在也是，我要和Kate一起变老，和她一起度过所有的时间。”为此，他现在正“努力使音乐成为生活中的一部分而不是全部”。“没有Kate的话，我不可能做出这张专辑。”Richard解释说是Kate陪伴他度过了乐队解散后的那段艰难时刻。 　　Richard虽然仍生活在“摇滚速度”中，但显然他已找到了生活的平衡点，就象你我寻常人一样，不过他依旧保持着敏感的知觉，创作出触动心灵的音乐。所以，也许他是目前世上还活着的最为人性化的一个摇滚乐手。

Tori Amos

TORI AMOS是近几年活跃于另类摇滚乐坛著名的女歌手之一。与PJ HARVEY、LIZ PHAIR、ALANIS MORISSETTE、JILIANA HATFIELD、BJORK、DOLORES O'RIORDAN相比，TORI AMOS的音乐显得更为成熟和自然，同时也不失其桀骜的个性与深刻的内涵。

　　TORI AMOS原名ELLEN AMOS，1964年出生在美国北卡罗来纳州，后移居马里兰。小AMOS有一个墨守成规的父亲和一个善于持家的母亲，他们在AMOS2岁半的时候就发现了她的音乐天赋，开始培养她练习钢琴。到了4岁那年，小AMOS就已经能够熟练地弹奏莫扎特等人的名曲了。

　　AMOS的父亲坚持要让她接受正规的传统音乐教育。6岁那年，AMOS的父母就把她带到巴尔的摩著名的JOHNS HOPKINS大学学习古典音乐，但AMOS在这座音乐象牙塔内的生活过得并不开心。“并不是说我在那儿什么也没学到”她说，“而是学得不够。我还想学作曲，并渴望接触更贴近生活的流行音乐。”AMOS被勒令退学，原因是她一直醉心于创作流行音乐。AMOS的音乐教师PARICIA SPRINGER曾这样评价过她：“她是个个性倔强的小姑娘，会用自己的一套理论去诠释音乐，这真令人吃惊。从一开始我便知道这个学校是想留也留不住她的。”

　　辍学后的AMOS在一家钢琴酒吧中找到一份工作。两年后，她的父亲EDISON终于同意她接触流行乐。他把AMOS带到乔治城，并在那儿为她找了份工作，同时她可以在当地俱乐部中进行表演。“我曾很为她担心，”EDISON说，“对一个只有十几岁的小姑娘来说，一个人在外地讨生活可不容易。”

　　就这样，从13岁到21岁，AMOS在酒吧中弹了8年钢琴。8年后，她把自己的名字改为TORI AMOS，并来到大地市洛杉矾追寻自己的理想－－“成为一个摇滚歌手”，她父亲这样说，“她从11岁起就一直嚷着要成为一个摇滚歌手。”

　　就在这时，发生了一件很不幸的事－－AMOS被她多年以来一直很信任的好友强奸了。这事不仅在AMOS的心灵上留下了重创，也影响了她以后的音乐创作。

　　在洛杉矾时，AMOS曾组过一支名为Y KANT TORI READ的乐队，GUNS N'ROSES乐队鼓手MATT SORUM曾是这个乐队的成员。AMOS把全部精力都倾注到乐队的音乐创作之上。不久，乐队即与ATLANTIC唱片公司签约。1988年，乐队推出了一张专辑，但只售出约7000张。这个数字让AMOS感到很窘迫。“他们可以嘲笑我，但我不会放弃。总有一天我会证实自己音乐的价值。”她说。

　　AMOS回到家中，一连几个月闭门不出，不停地写歌。不久，《LITTLE EARTHQUAKES》（小地震）便完成了。这是AMOS在音乐上的一次突破，也是她一次极具冒险性的尝试。这张专辑中的一曲“ME AND A GUN”细致地描写了女性对于暴力犯罪的厌恶与仇恨，歌词与旋律都颇为感人。此曲一推出便赢得了众多女歌迷的心。鉴于此歌引起的社会反响很大，美国一个反性犯罪组织授于AMOS一枚荣誉勋章。

　　ATLANTIC唱片公司副总裁DOUN MORRIS对《LITTLE EARTHQUAKES》倍加推崇，他把AMOS请到伦敦，使她能有更广阔的施展才能的天地。一开始AMOS对在英国的生活方式很不习惯，但她最终克服了来自各方面的困难和压力。几个月后，《LITTLE EARTHQUAKES》就在英国成为金唱片；一年后，又在美国成为金唱片，AMOS不懈的努力终于得到了回报。

　　1994年，AMOS再接再厉，推出第2张专辑《UNDER THE PINK》，获得了巨大成功，使之开始在世界范围内走红。这次AMOS在歌的内涵上又下了一番功夫，如专辑中有对男性权威的质疑「GOD」，有对女性之间产生矛盾的心理探源「CORNFLAKE GRIL」,还有对青少年犯罪动机的探讨「THE WAITRESS」。据说这张专辑推出后，AMOS每天都会收到大量的来信，来信者多是些被凌辱或强暴过的年轻姑娘。她们把AMOS作为一个可以信赖的朋友和亲切的姐姐，向她诉说烦恼。AMOS总是尽其可能给她们以帮助，从此聪明、热情和平易近人的AMOS更是在歌迷中深得人心。

　　1996年年初，TORI AMOS的第3张专辑《BOYS FOR PELE》在ATLANTIC旗下推出，歌词依然象诗一般优美，AMOS的钢琴演奏技巧又有了提高，配器亦比过去更为丰富。“HORSES”一曲中AMOS哀怨有呢喃配上时隐时现、跌宕起伏的钢琴声使你宛如被置身于一场深秋的葬礼之中；“BLOOD ROSES”结束时的铃声仿佛预示世界末日的来临。另外，“LITTLE AMSTERDAM”中的电子噪间效果、“WAY DOWN”结尾处的和声处理、“MR.ZEBRA”中铜管乐器的应用都是点睛之笔。

　　1998年，她推出了《FROM THE CHOIRGRIL HOTEL》，这张专辑被著名的摇滚音乐杂志《ROLLINGSTONE》评为四星，在《ROLLINGSTONE》的读者投票中被评为四星，可见她的实力又进一步。1999年她又推出了全新专辑《TO VENUS AND BACK》

　　AMOS曾说过这样一句话：“被人爱对我而言并非是最重要的，被人尊重才是我的追求。”音乐使AMOS找到了一个自由的空间表达她想表达的一切。通过音乐，AMOS实现了她的梦想，同时也获得了爱与尊重。

Jeff Buckley

第一次知道Jeff Buckley的名字时,他已经追随他那早逝的父亲而去,所以我对他最初的了解就是死亡。 　　 　　Jeff Buckley，1997年5月29日因车祸溺死于孟菲斯城附近的密西西比河中，年仅30岁。他的父亲，著名的民谣歌手兼词曲作者Tim Buckley，1975年6月29日死于过量吸毒，年仅28岁。父子两代，多才，命薄，令人感叹生命的脆弱。 　　 　　关于Jeff Buckley的死因，我曾从不同渠道听到过不同说法，但结果是一样的，他永远畅游在密西西比河中，我们只有通过他的音乐一次次回忆，一次次感动。 　　 　　第一次在Channel[V]的节目中听到Jeff的声音后，我便开始四处寻找他的专辑，最先拿到的是1993年的《Live at Sin-é》，这是一张有四首歌的现场EP，演出地点是在New York的Sin-é，时间是在1993年8月。 　　 　　开始两首歌“Mojo Pin”和“Eternal Life”后来收入他唯一一张专辑《Grace》。“Mojo Pin”是一首关于梦境的歌曲，现场的版本明显比后来专辑中的版本要随性许多，那些即兴的发挥使效果更为真实，绵长的前奏由远而近，象是天堂之音缓缓落下，那份神秘让人屏息静气，任由思绪随着Jeff Buckley放纵着一腔无奈的演唱起伏翻飞。“Eternal Life”的专辑版比现场版喧闹许多，在现场版本中没有用任何效果器，只是吉他的原声伴着Jeff感性的演唱，两种风格，同样感人。第三首“Je N'en Connais Pas La Fin”在宁静优美的吉他声中开始，在同样宁静优美的吉他声中结束，而Jeff也在同样宁静的唱着，与前两首的感性不同，歌去始终在Jeff的理性控制之中。最后一首“The Way Young Lovers Do”是翻唱Van Morrison的歌曲。整张EP的编曲已经简单得不能再简单，从始至终只有Jeff Buckley一人一把吉他，但听来丝毫不感单调，因为他的演唱胜过一切乐器。 　　 　　不久，我终于得到了我寻觅依旧的《Grace》。于父亲的早产多产不同，《Grace》是Jeff Buckley在1994年在COLUMBIA公司推出的首张个人专辑，也是他生前出版的唯一一张专辑唱片。这张专辑在他生前就赢得了一定的口碑，死后更是好评如潮。对歌者英年早逝的惋惜固然是难以排除的一个因素，但音乐本身所散发出来的清晰的悲剧意味，因与他日后的不幸的强烈感应而生发出无比强大的感染力。 　　 　 《Grace》是对青春和生命的感恩，对冥冥之中令人敬畏的强大的力量的皈依。 　 　 《Grace》是纪念，也是绝唱。他与生俱来的音乐才华，要在这仅有的10首曲子中燃烧殆尽，其光彩是如此的耀眼。 　　 　 “Mojo Pin”和随后的标题曲“Grace”都以很大的热忱去再现60年代末，70年代初的声音，浓重的东方情趣和迷幻气息，恍惚中仿佛又见摇滚乐发展史上那瑰丽的一幕。“last Goodbye”和“Dream Brother”这类曲子让人感觉到了Led Zeppelin对Jeff Buckley的影响，但这种影响并不意味着单纯的模仿，很大程度上是趣味相同使然。 　　 　　翻唱Leonard Cohen的“Hallelujah”是整张专辑最最感人的一刻，也许只有Kurt Cobain的“Where Did You Sleep Last Night”可以与之媲美。虽说Leonard Cohen清淡却回味无穷的演唱已然完美，但Jeff Buckley的演绎更令我感动，不知不觉的随着他一遍遍唱着“Hallelujah，Hallelujah，Hallelujah……”。他在看似平静中驾驭着内心无声地流淌着的波澜，将收受的痛苦和幸福又回馈给上苍，人和音乐都因至情至性而美仑美奂。 　　 　　Jeff Buckley的真嗓不够坚实有力，假嗓却悠长清澈美妙无比。“Corpus Christi Carol”在夜深人静时听来宛如天籁。 　　 　　…… 　　 　　一遍遍听着他的《Grace》，半是感动，半是唏嘘。那份天上人间阴阳相隔的遗憾，换回了一份真真切切刻骨铭心的感动。 　　 　　怀着一颗感恩之心，Jeff Buckley就这么去了，是意外莫如说是宿命，更让人感到生命是如此脆弱和难以把握，感谢Jeff为我们留下了这样最后的感恩（Grace），使我们能在这麻木的社会中一次次感动。

Tom Waits “当你写到你的生命时，就像一个水族箱一样。有些东西浮起来，有些沈下去。有些东西活着，有些溺死。有些看起来很不错，有些很糟。我知道自己在写作的时刻感觉整个空间都是水。" 　　　　　　　　　--Tom　Waits

●洛城的镜子 　　第一次听到Tom Waits是14岁时，在西宁南路四海唱片公司门市部，因为唱片封面让我产生了听他的好奇心。一试之下，结果一首歌听了不到四分之一，就草草收场了。现在还很清楚的记得，那是Tom Waits的第一张专辑Closing Time。当时的年纪，正值心浮气躁的时期，简直听不进任何内敛、醇厚而一点也不夸张的音乐。这样的印象与成见维持了7年。在21岁那年，看了高达《人人为己》这部电影，再度听到Tom Waits的音乐，突然间就喜欢上他的音乐。于是就开始收集Waits的作品。1988年，又在彭锦耀的舞作"相／貌"中听到Tom Waits的音乐，不但是大量的使用，而且更是很巧妙的和巴哈的段落反复地剪辑在一起，是一场有趣的肢体与音乐实验。于是便突发奇想，欲知这位在台湾从未被出版的奇特艺人，有多少人认识他或喜爱他的音乐。调查的结果是去年台大音乐社90%的成员都很喜欢Tom，并买了Tom在台湾所能买到的全部专辑；飞林（现蓝侬）唱片行在去年卖出两千张以上Waits的原版唱片；上扬多年来陆陆续续不间歇的进口Tom的唱片，卖出数量不计其数，直到目前仍然叫好。可见在不经任何宣传，在地下流通就有如此佳绩，触动了我写出这篇稿子的想法，希望更多人通过本文，激起对Waits音乐认识的动机。

1949年12月7日出生于加州波摩那，最大的外在特征是他那张永远离不开烟的脸和提着酒罐的手，计程车司机的气质和加州中下阶层小人物的身影。Waits从小酷爱Cool Jazz的萨克斯风音乐，同时他也热爱60年代的西岸摇滚音乐，如Bing Grosby、George Gershwin的节奏蓝调，到The Beach Boys的冲浪摇滚和The Grateful Dead的迷幻摇滚。在这个Tom成长的时代中，对他内在影响深远的莫过于"垮掉的一代"的文学作家Jack Kerouac和Charles Bukowski的作品了。青少年时期，Tom在洛杉矶的午夜俱乐部打工，为客人开车门、看店门挣些生活费，这种环境令他立志总有一天他要成为门内的表演者的意向。直到1969年他终于在洛城一家名为Troubador的俱乐部达成他的心愿，做了第一场演出。并获得实验摇滚乐队Frank Zappa的经纪人Herb Cohan的欣赏，作为Tom的经纪人，让他进入摇滚巨星的表演圣地Tropicana大饭店演出。这段时间Tom 　　Waits建立起广大的乐迷基础，遂于1972年和隶属于华纳公司旗下的重镇Elektra/Asyium唱片公司签约。1973年的处女作Closing Time问市，其中单曲"OL'55"被收入Eagles乐队同年专辑On The Border中，评价很高，但Tom的Closing Time却卖的其惨无比。

　　Tom的音乐初听者是不会喜爱的，在他的音乐中配器与录音是十分简陋的。这还不算，他的歌声更是非同小可地令人难安，一种喉痛声哑的吟喃，像是酗酒过多或噎住一口陈年老痰般地破铜嗓子。乍听之下是种病痛与听觉虐待的难安，习惯后，却成了煽情感动的难安。很Jazzy的感伤和氛围，形成了Tom的音乐世界。烟酒不离的印象，搭配着描述卑下社会颓废景状的歌词，使Tom的音乐和内容宛如一面镜子般的反映出洛城"最深层面人们的生活面貌，整个70年代的洛城，在Tom Waits的描述中，呈现出最一般性的存在。"正如同Tom在专辑Swordfishtrombones一首"In The Neighborhood"曲子中唱道：

　　鸡蛋围绕着飞行的锅子追赶着熏肉 　　狗被教堂塔顶的钟绳弄得悲鸣 　　昨夜整个晚上狗群弄翻了垃圾桶 　　总是有建设工程在干扰你 在附近…… 　　因为市场烧掉了 　　报纸和睡袋满街飞舞 　　而那张该死的平板床 　　又再使我动弹不得……

　　Tom所描绘的总是这样混乱悲伤的世界，他的文字语法很清楚的投射出Jack Kerouac的成名小说《在路上》一路下来的痕迹。将一幕幕社会问题与人性的弱点，显现在喜爱听他这类音乐风格的中产阶级与知识份子的眼前。这样的对洛城市井小民的写照，使他成为一部名为Street Wise专门描述落成逃家少年、流浪汉生活与心里之着名纪录片的配乐者，就成了必然之选了。整个70年代，Tom对洛城的关怀，并没有从洛城得到共鸣，却奇异的赢得伦敦乐迷的狂喜。到了80年代，Tom转入Island唱片公司旗下，于1983年发表了专辑，从这张Swordfishtrombones专辑之后，Tom对洛城的勾勒开始渐渐淡忘了。到了1985年的Rain Dog，Tom将对洛城那般癫狂的眷恋，转化成一种时代性的流浪者之歌，歌曲中充满浓郁的漂泊气息。这种转变的肇因起于两个征兆，一是自Swordfishtrombones发表后，他就离开了洛城，移居纽约，二是他在伦敦年轻人对他感性的狂热中，意外的发现了"世界漂泊"这种风情的灵感。但是，虽是如此，并不意味着Tom就此远离了他的故乡--洛城，在他的歌词中所唱道是更宽广的关照，适用于人类情感与性灵的空间，而不是地域的划分了。

　　●危险的浪漫情怀

　　许多音乐家被非议是从他们的生活中来寻找创作素材，而Tom Waits则是其中的例外，他主张应该从歌曲中去创作生命。当其他的洛城歌手正在赞颂沙滩、海洋和大麻的极乐的同时，Tom却为低级的餐馆、肮脏的汽车旅馆和廉价的烈酒等景象吟出喘息的颂歌。在他1973年的处女作Closing Time中，Tom的民谣根基是吉他编曲，以及如"Martha"等伤感的情歌中显著地呈现出他力求大众化与商业化的企图。然而在"The Heart Of Saturday Night"中弹子房的比喻与节奏被转移到一个酒鬼的身上时，那种小心纤细的剪辑，使Tom浪漫情怀走出男欢女爱的儿女情长，更勇敢而杰出的在钢琴的即兴中舒展开来。这一年(1974)的夏天，Tom Waits和Bruce Springsteen俩就像在东西两岸设下擂台，展开竞赛。看谁能先以爵士的、沙哑的嗓音，对低阶层都会的浪漫情境所做的赞美诗，来赢得较多的听众。

　　然而，这场竞赛很快就宣告终止。Springsteen咆哮没多久就走出他那摇滚的经典Born To Run，而Tom则在现场演唱录音专辑Nig-hthawks At The Diner中仍保持爵士诗人的性格。1976年的专辑Small Change我们听到Tom再发现了他的旋律，并找到了他的声音，这时他一改前例地以钢琴、木贝司和鼓这种传统爵士三重奏来为他的歌曲伴奏，这些歌拓展出既有趣又犀利，更富老式情趣，不同于以往任何通俗音乐的视野。

　　Tom一直扮演着即兴对话、敏捷机智的玩世不恭角色，当他悲叹一个错过的好女人时，他会天南地北地展现他讲乡野传奇的才能告诉你："我说嘛！太空飞鼠知道每一件事情。"地自嘲一下。当然，在每一首曲子中，Tom同样的发挥他的想像力，勇于尝试不同的演奏，似乎非得让整个音乐的内力溢满出来，流入他的生活中才甘心。但是，他的前任女友Rickie Lee Jones告诉朋友们，她和Tom的关系已经结束了。因为他真正要的生活是住在一幢有凉台的平房里，有一群整天尖叫的孩子，把周末的夜晚花在路边餐馆上。这种生活看来像是很违背Tom在音乐上所表现出的那种放荡不羁的浪漫情境。事实上，只要我们稍稍留意Tom成长的过程与潜在基因，并形成他创作音乐的主要动机，也正因为他不是那种轻易的"家庭安定"的人，所以"家庭安定"之欲求的骚动，也不断地撞击他的思绪。

　　而实际上，在那些时光里，Tom一直都住在一家西好莱坞的汽车旅馆里，大量的尼古丁使他的声音变成一种令人难以置信的美妙乐器。一时之间他从冥想与自嘲的音乐中走出一条路来。诞生了Heartattack And Vine专辑中像"On The Nickle"和"Jersey Girl"这样能够彻底呈现他伟大创造才能的曲子。1983年Tom以专辑--Swordfishtrombones做了他在音乐上的重大突破，使得他的关注转回音乐本质上的问题，那就是如何超越他那Blue Note/After Hours（Blue Note著名爵士蓝调唱片公司名称；After Hours即是午夜酒吧音乐象征）的注册商标的声音，而又不牺牲他的梦想。这个问题更直接一点说，就是如何去调解他那败落的声音直对人性犀利之视野的差距。因为Tom没有选择变成流行偶像或走到唱作舞曲的权力；想想他的长相，想想他的歌声。

　　他很聪明的为自己找到了解答，那就是如何去分辨他的音乐中什么是特别的，必然的：粗糙的双关妙语、沙哑的嗓音、戏剧性。什么是扣死他的东西：钢琴三重奏的编制、蓝调的和弦转调。所以在Sword fishtrom bones以及继之的Rain Dogs和Frank's Wild Years，Tom开始将顽皮的、无业游民的性格带进不同的音乐编制中，来呈现出他能将任何颜色加入他那原本黑白单色的草图中。从乐器的配置中，我们更是不得不由衷佩服他那机智且充满想像力的才能。比方说，当他在处理一个以钢管乐为背景的调式时，他会先布置一个星期六下午的场景，接着就会想到用什么样的声音去唤醒一群醉卧街头的流浪汉。或者，当他想要在音乐中带入木琴、哨子、锅子和盒子时，他便会想着自己是一个如何得意的诱拐了船上的水手卧倒在甲板上，并在他们身上跳舞的狡猾海盗船长。换句话说，Tom Waits仍再继续找寻创作摇滚乐的新方法。幸好上天赋予他富有"想像世界"的异禀，能看到在各个不同角度的对等世界中，摇滚乐是如何，或该是如何发生的。他在创作上的伟大才能，应该说他是如此煽情地提供了一个异次元世界的流行感动，并且不时的越界地去触犯那桩令人快意无比的"危险浪漫情境"，就像是专辑Rain Dogs中的"Gun Street Girl"：

　　在他荷倪泽中陷住的詹姆士 　　死缠着要告诉我们他的故事 　　他与一个枪街女孩坠入了情网 　　而令他在伯明翰监狱中跳舞

　　在Nighthawks At The Diner专辑的"Imotrond Weather Report"中：

　　在一个星期六夜晚决堤的洪水轮班覆盖了我的性情 　　那儿没有猛烈的气候 侵入午后 　　除了卧室里一阵长长的阵风 　　一条高压带以103毫巴的带流覆盖着一个郊外小村落的东部 　　一条微物的山脊气压 从我的腿延伸到我的颊 　　自从你离我而去宝贝 　　释放了糟糕的领会力 　　在我心灵健康之延展的风景 遥遥无期 　　直到你回到我身边宝贝 　　今晚高 明天低 多变的气压 　　而鲁莽是理所当然的

　　●吧台后的说书歌手

　　早在70年代，Tom刚出道就被评论家们将他归类为“歌手作曲家”这一派，和James Taylor、Joni Mitchell同流的通俗音乐家。但是，看了看Tom在80年代后的表现，"歌手作曲家"的范围像似已经框不住Tom的才能了。到了现在，我想提供一个较符合Tom所作所为的新名称--"唱作歌手/说书歌手"，对Tom而言这会是一种更贴切的描述。自80年代后，他先后为导演Francis Coppola的电影《心上人》配过音乐，并参加"斗鱼"、"棉花俱乐部"的演出，再早一点于1979年他也参加了导演Sylvester Stallon's的电影《Paradise Alley》的表演。投入演艺的工作，是Tom的兴趣，也是他另一面的才华，这样的才华展现在1987年纽约影展里出尽风头的《Down By Low》(Jim Jarmusch导演)中，Tom的演出是令人慑服的。因为他在电影界的活动，更进一步促使他为自己写了一出音乐剧--Franks Wild Years，让自己在舞台上的表演，不再只是倒流的乐队演奏，一种新颖的歌剧格式，确实让Tom在这一两年间在演唱时过足了戏瘾。而Tom的演技如何呢？肯定是被自己的音乐影响着。 　　 　　"因为参加了电影的拍摄工作，让我得到了很大的帮助和启发，因为音乐之素材的关系，我们可以用歌曲与演奏来描述人物的心理和行为，但是我必须压抑自我的个性，与音乐间互相做一些妥协。"Tom在说到音乐剧时表示："现在我觉得曲子离我的自我已经有了距离。在以前，我的歌是很感性的，都是有感而发，十分直接的灌注到音乐中。但是，现在我会开始管制这种感觉性的创作，我正努力的从事一种让歌曲本身展开自律性的作法。" 　　 　　Tom这种加入了表演艺术的转向，迫使我们对于他的音乐理解，只需稍有变化。对Tom的传统认知，即是他的音乐便是自身的媒体与表现手段，他的歌词煽动而感人，这是意味着他在处理文字时，已经考虑了是不是能够让大家容易懂，且容易感动。但是，现在这位改良种的Tom Waits，似乎正朝着自身之媒体的路子走去，Tom开始需要其他的媒体来完成音乐所要的表现了。而他们是什么呢?!事实上，我们很难指出Tom运用了什么工具，因为那无色透明的媒体，正是Tom Waits本身所散发出来的。如果要更仔细的说明，那只能说是Tom在无数副滤光镜架、眼镜架下所表现出的强烈个性；在滤镜的组合中，他们妨碍着、律动着、折射着、对应着登场人物的角色诠释与生命透视。而这些人物都是一些像Tom之流的都会小角色。从此，凭着媒体与滤镜运用之术，Tom终于发展出一独一无二的Tom Waits式的艺术与语言。 　　 　　自1983年的Swordfishtrombones、1985年的Rain Dogs、1987年的Franks Wild Years到1988年的Big Time，这4张作品使Tom Waits式的表演艺术有了开花结果的杰出成就。专辑Big Time在唱片里听起来，仅知道它是一张精彩的演唱会专辑。然而，事实上，Big Time也是Tom的演唱会记录影片，剪辑了他在洛城、旧金山、都柏林、斯德哥尔摩、柏林的演唱会片段所制成。电影Big Time有别于一般演唱会记录的是它的格式，是以单曲为制作单位，Tom为诠释音乐与电影表演的关系，特意着重于每一首曲子的单独表现，整部电影没有给人是一场演唱记录的连贯感觉。这种作法十分聪明的创造出Tom之意念的彻底传达与深刻印象，是一部极富艺术性的电影。当然在Tom的场合中，他的艺术与语言，应该是电影、音乐、语言与表演四大要素的结合才能构成一个完整评价的条件。电影的结束曲是选自Franks Wild Year中的"Innocent When You Dream"。在画面中，舞台的中央陈设出浴室的场景，当遮浴的纤维布幕被拉开，Tom就卧在那浴缸里，现场还不时的传出餐厅抹布和沐浴毛巾的声音，Tom在浴缸里吹着肥皂泡，不断地向四方飘去，在舞台周围漫舞着： 　　 　　那是古老而悲伤的感觉 　　原野柔软而青绿 　　那是我正在窃取的回忆 　　但当你做梦时是如此地纯真 　　当你做梦的时候 　　当你做梦时是如此地纯真 　　跑过墓园 　　我们嘲笑着 我的朋友和我 　　我们发誓我们会在一起 　　直到我们死去的那一天 　　直到我们死去的那一天 　　我做了纯金般的承诺 　　我们永远不会分开 　　我给了我的爱人一只小金盒 　　而后 我使她心碎 　　而后 我使她心碎 　　 　　Tom在猥亵的环境中度过大部分的生命，而这首歌是这样清楚地表露出Tom是怎样的想要寻回一颗纯真的心，对Tom而言这个期望是何等的不真确，所以他仅能潜入梦中。他以极度煽情的方式浸淫在自恋与冷嘲热讽中，像"Innocent When You Dream"这样陈腐的歌词，被Tom那荒诞的声音唱出来，竟传达出一种对生活态度之后悔与深切伤心的感动，而煽情意识在这里也找到了安居之所。 　　 　　听Tom Waits的歌是需要成熟的感情、生活经验、自恋倾向和勇气的。他的歌就像是一块破烂的抹布，不断地在找一些污点来擦拭。脏的抹布、悲痛的心、疲惫的身心，是Tom的音乐，也是Tom急欲挥去的。然而，在都会的深夜里，多少悲痛的心，需要Tom Waits的抹布声来擦净。

Tricky

Tricky出生于1964年，本名Adrian Thaws, 他是在英国布里斯托尔开始了他的音乐生涯。那里是电子乐手们的家园。旧时代的Cocteau Twins的成员Liz Frazer和象Roni Size和Reprazent这样的新锐都在那里成长。Tricky的父亲在他出生后出走，他母亲也在他4岁的时候自杀，Tricky由他的不同的直系家庭成员抚养，在西努勒斯区艰难的长大。虽然不是个彻头彻尾的坏孩子，tricky也承认他年轻时候喜欢恶作剧害人，Tricky沉湎于轻微的犯罪、少量的毒品、他祖母那里的唱片"The Specials"和Rap。15岁的时候，他退学了，两年后又回到了学校，再后来被学校开除。这种断续的，糟乱的教育无疑导致了他日后作品中那种阴暗的复杂性。 大概在19岁，Tricky开始了音乐创作。不久，他开始游荡于当地的一些音乐家之间，其中有的人后来具备了国际知名度，如制U2、BJORK和SOUL II SOUL唱片的Nellee Hooper。他受到了登陆英国的美国hip-hop乐的强烈影响，也同样受到了Prince和Tom Waits音乐的渲染。他开始和dj,mc,歌手，制作人同行们一起工作。在他们中间后来产生了富有影响的Massive Attack乐队。 他的首次录音成品是一首幽闭恐怖的单曲"Nothing's Clean"出现在1991年为慈善筹款的拼盘"The Hard Sell"中。同年，作为massive attack的主要成员兼代言人，Tricky在乐队的首张辉煌的专辑"Blue Lines"中创作演唱了kamacoma, Five man army等三首歌曲，接下来在1994年tricky在Protection里又多了2首，但他并没成为乐队的核心。

机会来了，某天在当地初级中学外闲逛的时候，Tricky与一个偶然相遇的女孩Martina聊天，并邀请她去他住的阁楼玩。几天后，她到了那里，Tricky出去了，她因而结识了他的室友Mark Stewart，后者发现她有很好的声线。很快他们录制了"Aftermath"，后来这首歌成为当年英国最热的舞曲之一。它带着优雅飘忽灰暗而又规则的节奏，还有martina颤动的声音，使整个歌曲充满了性感。Tricky及时将"Aftermath"提供给了Massive Attack，但他们没有注意，Tricky知道他是该自己独立发展的时候了。

这个工作成果于1994年露面，当时Trip hop这个词还没有出现。 "Aftermath"是慢板的、催眠的、袅绕于心的Hip Hop、Blues的风格，紧接着Ponderosa则醉人地嘟囔着"我喝酒直至酩酊大醉，我抽烟直至神智不清"，最后被摇摇欲坠直至高潮。他的第一张专辑Maxinquaye（以它的母亲Maxine Quaye命名），于1995年正式发行。这张没有得到许多评价的唱片居然很快成了英国唱片排行榜的第二名，在一次全国民意投票中，这张唱片也获得了最佳的评价。当时每个沉浸于音乐音乐的人都在谈论Massive Attack和Portishead，但这张专辑让每个人都大吃一惊，在麻醉的录音效果和直白的节奏下面，隐藏着Tricky的妄想狂、幽闭症、恐惧和性冲动，tricky和martina以他的音乐风格方向和她的那种无辜的魅惑力合力构造了一种清晰的催眠式声音。随即Tricky在全英国大红大紫，他的部分作品也被许多诸如Bjork的大牌艺人翻唱。当年秋天，他又和美国的硬核rap组合the Gravediggaz合作出版了《Tricky Vs. the Gravediggaz》并以Starving Souls这个名字发表了单曲"I Be the Prophet"。

英伦乐评家在试图定义他们基于hip-hop而又带有ambient和其他音乐元素的音乐类型的时候，造出了一个新词--Trip-hop，并将它赋予了Tricky, Portishead 和massive attack。Maxinquaye被视为是这个新流派的里程碑。

1996年的2月，在和Terry Hall、Moyet Alison、Neneh Cherry、Bjork等一批艺人的合作下，推出了新唱片《Nearly God》，它有着徐缓的和弦和肃穆的演唱，它的探索与maxinquaye接近。6个月后，专辑在美国出版。9月份，EP "Grassroots"在美国出版，2个月后，他的第2张正式专辑 Pre-Millenium Tension出版，评论界对这张专辑评价好坏不一。除此之外Tricky还在1996年为Elvis Costello、Garbage、YOKO One（大野洋子）、Bush等进行过不同形式的混音。

Tricky于2000年自己开了一家唱片公司Durban Poison，发行的第一张专辑是，由Tricky所主导的全新团体The Baby Namboos，是由其外甥Mark Porter所主导及其他好友Aurora Borealis（Vocal）、MC Leo Coleing、Julian Brooke（Bassist）、Mad Dog（Drummer）所组成，这些没有任何音乐背景的The Baby Namboos，所秉持的是对热爱音乐的一股热诚来完成此张作品，这张耗时一年才完成的首张大碟【Ancoats 2 Zambia / 冰火相容】延续一贯的基调Hip Hop为主轴，融合全球各地的音乐特色展现具有「大熔炉」般的特殊风味，从非洲的原始节奏 “Hard Time”到雅买加的雷鬼风情的作品”Persist To Reminisce”都展现出对音乐的热情与执着，此专辑中TRICKY参与了专辑三首作品的演唱及制作，本辑已荣登CMJ杂志的排行榜冠军。

在他以其奠定了trip-hop流派风格的处女作专辑赢得不俗的名声之后，Tricky被认为是新音乐革命的先锋之一。就象节奏对于hip-hop一样, torchlight jazz对他的影响十分巨大，他的风格也为无数音乐家们打开了通往电子世界的大门。Tricky是一个独特而神秘的音乐家，在他所属的流派中也是少数精英之一，他的传奇被许许多多他的追随者传颂着。

Ted Nugent

一个摇滚明星，一个吉他英雄，一个出色的猎人，一个永远性欲旺盛的家伙，虽然他只用了一半的时间来从事摇滚乐（另一半时间在打猎），但仍然给我们留下了无数激动人心的重摇滚歌曲。在他参加许多运动/打猎俱乐部活动的同时，他的身影也会出现在每晚的音乐会上，他似乎总有着无穷的精力，他或许是整个70年代最活跃的摇滚明星了。　　

Ted Nugent充满野性的吉他演奏方式至今也没有谁能够比拟，用他自己的话来说，他的演奏是“心、灵魂、内脏、睾丸、精神、愤怒、性欲、本能和幽默感的完美结合”。我们很难将他的音乐归属到哪一种既有的风格，硬摇滚？重金属？朋克？或者仅仅就是Rock'n'Roll？不管怎样，他的音乐是那种让你坐不住的音乐，他比任何人都更接近摇滚乐的本质，他从来就是为了乐趣而演奏，而不是什么狗屎政治、金钱、名气、思想之类的东西。他在整个70年代几乎每年都要疯狂巡演至300场以上，所以不管他的摇滚在某些人眼里是如何的直白、如何的浅薄、如何的陈词滥调，我们都应该对他表示最大的敬意——看过他现场演出的观众数超过三千万！　　

Ted Nugent从9岁开始学习吉他，他的父亲曾在军队里受训多年，是一位非常严谨和教条的人，他一直反对Ted Nugent听摇滚乐，因为他认为没有“好的摇滚乐”，Nugent这样回忆道，“当然，当时还没有人会把用‘好’这个词和‘摇滚乐’联系在一起，因为在那个时候，所有的摇滚乐都被认为是危险的。”Ted Nugent最初的愤怒正是来自对他父亲那刻板教条的反抗，不过他的母亲始终还是支持他的，这使他在音乐上的创造力得以有机会施展。　　

年轻的Nugent除了音乐和打猎外并没有别的不良嗜好，“我从来不吸食迷幻剂，从来不吸毒，也不酗酒。我更喜欢在音箱前和别人合奏，随便什么人，只要他认为他能比我弹的好，不过这帮家伙我都能轻易打发。”　　

在组建和加入了一系列不成熟的乐队之后，Nugent终于在1966年加入了他的第一个正式乐队，The AMBOY DUKES。这支乐队凭借一首翻唱的Baby Please Don't Go进入了美国排行榜，不久后又有一首单曲Journey To The Center Of Your Mind大获成功，这首歌曲至今仍是Nugent在现场演奏时的常备曲目。和其他乐队一样，在取得了这一点点成功之后，乐队成员开始吸毒，那个时候乐队成员被Ted Nugent戏称为“一群无望的嬉皮士”。　　在1975年乐队解散之前，The AMBOY DUKES转签过多家唱片公司，其中包括Frank Zappa的Discreet厂牌。乐队发行过几张专辑Journey to the Center of the Mind，Migration，Call of the Wild和Tooth, Fang & Claw等，不过商业销量一直并不太好。凭借他们无止尽的巡演，总算能够保持住一定的名声和收入。乐队在此期间也改名为TED NUGENT'S AMBOY DUKES，因为这个年轻的吉他手在乐队中的作用越来越重要，几乎所有的歌曲都是由他一个人完成。随着年纪的增长，Ted Nugent对自己的认识越发深刻，他意识到他自己身上所蕴涵的能量是无穷无尽的，在这样的乐队只会限制自己的发挥，因为乐队以前的音乐风格是比较传统的硬摇滚，而Ted需要的是更加刺激、更加热情、更富有能量的音乐。终于，在1975年的某天，由著名制作人Tom Werman引介，Ted Nugent以个人身份和大唱片公司Epic签定了一纸合同。“Tom Werman看到我们创造的热力比那些销量超过我们百倍的乐队更盛，所以他意识到了一些东西。我直盯着Tom的眼睛对他说，‘让我来告诉你为什么。你签了我，可是如果你制作出这样一张唱片，里面的吉他声不象是Ted Nugent弹出来的，或者说我到堪萨斯城去的时候，发现我不能在任何一家唱片店看到这张唱片，那我一定会把你踹翻，然后用叉子把你全家杀死’。我厌恶商业化的制作，也不希望缺乏支持，实际上，我光靠巡演就能活得很好了，根本就不需要唱片工业。不过Tom做的的确出色，他制作的东西正象我所想象的那样，于是我们也可以卖出成百万的唱片了。”　　

Ted Nugent在Epic公司出版的第一张唱片就是同名专辑Ted Nugent，这是一张真正的摇滚经典。脱离了The AMBOY DUKES的束缚，他加大了吉他音量，增加了演奏速度，将传统的节奏布鲁斯演绎成真正的重型摇滚。专辑中包括了Hey Baby、Stranglehold、Stormtroopin'和Motor City Madhouse这样的经典曲目。虽然Ted的音乐并非严谨意义上的重金属，但是他所体现出来的力度和热情却足以让同时期的美国重金属乐队汗颜，他比KISS要复杂，比BLUE OYSTER CULT要激烈，比FOGHAT要张狂。直至今日，这张专辑仍然是Ted Nugent自己最喜欢的专辑。　　

Nugent正值其创造力的颠峰，所以他迫不及待地迅速推出了第二张专辑Free-For-All，不过由于在第一张专辑录制过程中乐队其他成员与Ted出现了一些矛盾——Ted希望乐队完全由自己控制（很象暴君哦），而其他成员则希望以一种民主的方式来管理乐队，这一矛盾的结果就是1976年在录制Free for All的时候，Ted不得不到处找人来顶替离队的主唱Derek St. Holmes。由于一直没有找到合适的主唱人选，这张专辑是由不同的歌手来演唱的，其中一位当时虽然默默无闻，但不久之后就开始大红大紫——他的名字叫Meat Loaf。这张专辑和前一张专辑几乎是同样出色的，类似Dog Eat Dog、Turn It Up、Hammerdown和Street Rats这样的经典将专辑推到了白金唱片的销量。有了这样的成绩，原本就是靠巡演起家的Ted当然更加坐不住了，他知道外面有成百万的歌迷在等着他。　　“我是终极巡演战士。是的，我仍然是。在70年代早期，我们每年演出场数可以轻易地达到300场。我曾经是——应该说到现在仍然是——这个星球上最好的露天摇滚演出家。任何跟随我的歌迷都会这样认为。”　　

正在Ted为巡演的主唱人选发愁时，Derek St. Holmes又重新归队，这无疑是雪中送炭。这场风波过后，Ted独断专行的毛病似乎收敛了一些，乐队内部的气氛也回到了正常状态。这一改变的最显著成果就是1977年的伟大专辑Cat Scratch Fever，这个响亮的名称应该被每个摇滚乐迷牢记。封面上Ted Nugent呲牙咧嘴的照片已经告诉我们，这不是一张具有深沉含义的唱片，它只需要你尽情的放肆一把就足够。专辑里热力四射的歌曲具有很强的娱乐性，当然，这仅仅是针对那些心态还年轻的摇滚乐迷而言。Ted用了很简单的节奏和编排创作了诸如Cat Scratch Fever、Wang Tang Sweet Poontang、Live It Up、Homebound和Out Of Control这样极其精彩的摇滚乐，你完全可以把这张专辑想象成佛罗里达阳光明媚的海滩、落杉矶大街上飞奔的摩托车或者芝加哥夜总会里的无边春色。　　

在巡演现场，Ted开始以野人的形象出现在舞台上——大胡子、齐膝高的皮靴。身上除了一条破破烂烂的缠腰布以外一无所有、还经常象泰山一样在绳索上摇荡（就是泰山嘛，hoho）。这个时候的Ted Nugent已经站到了他事业的颠峰，他是美国乃至全世界最成功的硬摇滚吉他手。1978年的双张现场专辑Double Live Gonzo验证了这一事实，尽管他本人对这套现场专辑的质量并不满意，但对于歌迷来说已经足够好了，因为他们终于可以在家里听Ted Nugent的现场演奏了。 在辉煌了几年之后，Ted Nugent的精力仿佛快用完了，接下来的几张专辑，1978年的Weedend Warrior、1979年的State Of Shock和1980年的Scream Dream都不算十分成功，但它们还是非常精彩的。随着现代效果器的改良，Ted Nugent的吉他音色更加沉重，而且他的歌曲写作也更加考究了，所以这个时期的专辑虽然少了一些令人激动的热情，但是可能更受现代金属乐迷的青睐。不过乐队本身却陷入僵局，乐队成员却一个个弃他而去。更糟糕的是由于几笔失败的商业投资和糟糕的财务管理，他自己成为了一个不折不扣的穷光蛋！　　

由于专辑的制作不能按他说的来，Ted Nugent在发行了一张不成功的现场专辑Intensities In Ten Cities之后离开了Epic唱片公司。80年代初期正是流行重金属全面抬头的时期，Ted Nugent在找到新东家Atlantic公司后的首张专辑Nugent也试图赶一回时髦，他刻意减弱了一些吉他分量，把音乐做的易于接受，可是哪个十几岁的少年会把三十多岁的“老头子”当作偶像来崇拜呢？因此，虽然Ted努力地把自己的风格定位在流行金属，并在不同的公司发表了诸如Penetrator、Little Miss Dangerous、If You Can't Lick Em...Lick Em等一系列不错的专辑，但一脸大胡子的老Ted远没有那些金发披肩皮衣银饰的重金属帅小伙吸引人，专辑中的歌曲虽然很象流行金属但又不算琅琅上口，因此很快就被人们所遗忘了。失望之余，他又试图去当演员，在1986年播出的收视率颇高的电视连续剧Miami Vice中，他饰演了一个毒品贩子（唉...），不过这件事很快也没了下文。 幸运的是，在80年代即将结束的时候，Ted加入了可能是有史以来最引人注目的全明星组合DAMN YANKEES。DAMN YANKEES的四人阵容中除了Ted Nugent以外，还有NIGHT RANGER的前任贝司手Jack Blades、STYX的前任吉他手Tommy Shaw以及鼓手Michael Cartellone。这几个老炮刚一组建，就成了当时摇滚圈的一大新闻，所以他们还没写作任何歌曲的时候，就已经有无数媒体采访报道他们了。1990年，DAMN YANKEES发行了首张同名专辑Damn Yankees，其中的单曲High Enough迅速进入排行榜前十名。可惜的是，当人们发现这一组合仍然是不咸不淡的流行金属，并无新意可言的时候，就不再关注他们了。这个短命的组合在1992年发行了第二张专辑Don't Tread之后，就宣告解散了。 不得已，Ted又开始了自己的个人音乐生涯。DAMN YANKEES的成功还是让人们记起了这位当年赫赫有名的硬摇滚大胡子，1995年，回归以前风格的专辑Spirit Of The Wind获得成功，此外，他还发行了3CD的精选集Out Of Control以及演唱会专辑Live at Hammersmith '79，1999年，Ted Nugent的最初三张专辑被再版发行，同时发行的还有他以前的乐队THE AMBOY DUKES的精选。这还不算完，在2000年这个老家伙还出现在了KISS的Farewell U.S.巡演现场上，看来Ted是决心要把他音乐事业的第二春（也许是第三春，如果把他在THE AMBOY DUKES时期的成功计算进去的话，如果再算上DAMN YANKEES时期的成功，就应该是第四春了，呵呵）带入21世纪了。果不其然，2001年，TED发行了第三张演唱会专辑Full Bluntal Nugity。基于三十年来Ted Nugent的表现，我们有足够的理由相信他的音乐道路还将继续。　　

2001年，TED NUGENT出版了自己的自传God, Guns, & Rock N' Roll。　　音乐之外的Ted同样是一个活跃的家伙。他在政界摸爬滚打；当底特律一档早间电台节目的主持人；以自己的名义组织野营狩猎；发行教育录像带（名字叫做Ted Nugent Spirit of the Wild）；开了一家狩猎用品商店；被任命为国家射击协会的理事；在许多杂志都担任长期撰稿人；甚至还出售独家品牌（名叫Gonzo Meat Biltong）的牛肉干！虽然对他的非议也不少，（当然主要来自于音乐之外）比如他的激进右翼信仰、对私人拥有枪支的大力支持、提倡猎杀野生动物等等，这些都为他招致了不少各种形式、各种角度的批评与谴责。不过，这个家伙同时还是一个标准的顾家好男人（家庭妇男？），而且一直远离药物与酒精，这在众多硬摇滚明星中绝对算得上是凤毛麟角了。Ted Nugent就是这样的一个人，一个充满了独特魅力的可爱的美国重金属教父老头。

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对于摇滚的女生,我一向倾心.请手动试听.

Dido

Dido（蒂朵）是英国四人超级EPIC-HOUSE / TRIP-HOP电子乐队“FAITHLESS（无信念乐队）”中的客席女主唱。 　　6岁进入音乐学校就读接受正统音乐训练，其优异的表现让她在18岁时就已经拿到了钢琴 、小提琴的硕士学位并参与英国古典乐团的巡回表演，直到1995年参与其兄 ROLLO 所组的 FAITHLESS 才算真正的踏入流行乐界中，集谱词写曲及制作于一身的她在参与《SUNDAY 8PM》时也开始其首张个人专辑《No Angel》的录制。 如果你对Dido(蒂朵)这个名字陌生的话， 那你肯定听过这届格莱美奖上Rap歌手Eminem（阿姆）和Elton John演唱的压轴曲《Stan》，这首歌收录在Eminem的《超级大痞子》专辑中， 而和Eminem合唱就是Dido这位来自英国的创作才女。 坚强的创作实力，甜美飘渺的嗓音，自然亲切的笑容，再加上宽容随和的态度， 被誉为“21世纪的天后接班人”。 Dido（蒂朵）在她五岁那年偷了生平第一台录音机， 不过这个举动并没有令她遭受牢狱之灾，反而使她在一年后进入了伦敦Guildhall School of Music（盖德霍尔）音乐学校就读。 蒂朵从小就是个音乐神童，10岁时精通钢琴、小提琴演奏。 她的青少年时光便是在偷听哥哥的唱片收藏， 以及和学校里的古典乐团一起巡回全英演出中度过的。16岁时，她深深爱上了Ella Fitzgerald（艾拉费兹杰罗）的音乐， 而这样的热情令蒂朵从一个爱乐者转变成一个参与者。 当时她白天从事创作出版工作，晚上开始和许多乐队在伦敦附近演唱。尽管她著名的DJ兼制作人哥哥Rollo一再告诫她千万别放弃白天的正职，不过她却在Rollo于95年筹组的乐队首张专辑《Reverence（尊崇）》中初试啼声，演唱了畅销曲《Insomnia（失眠症）》。 这支乐队就是以荣获Muzik杂志五颗星满分评价的Faithless（无信念），处女作在全球各地创下500万销售佳绩。 接下来的两年中， 蒂朵和无信念一起前往数十个国家巡回演出，经历了与以往身为古典乐团一员截然不同的日子。 而每当蒂朵托着疲惫却亢奋的身心回到伦敦时， 她便会着手为自己的创作录制一些试听带。 Arista唱片在97年初听到了这些试听带，并安排蒂朵在伦敦的Dorchester饭店与总裁克利夫戴维斯见面， 过去戴维斯曾经成功打造惠妮休斯敦、唐妮布蕾丝顿等流行乐坛天后。这次的会面相当成功，蒂朵在为戴维斯献唱时，这位乐坛巨擘甚至还忍不住为她和声。于是蒂朵开始展开了首张个人专辑《（No Angel）无天使》的录制。 Dido，一个前途无量的女孩， 正在用她的才华征服着全世界的歌迷。