世界最伟大的贝司手 -- Jaco Pastorius!    

      Jaco Pastorius是一颗流星，70年代时闪烁着耀眼的光芒，80年代时悲剧性的陨落了。他用自己独创的无品电贝司，以惊人的演奏技巧和对音乐旋律的幻想，使贝司这门乐器挣脱在乐队中的附属位置，走到舞台的最前端，让人们首次感受到出自贝司的音乐魅力。他不仅是个有着华丽的演奏风格的爵士乐手，更是一个集作曲、编配和制作于一身的三重天才。他和另一位乐手Stanley Clarke可被称为是70年代在贝司演奏领域影响最重大的贝司手。
      Jaco于1951年出生在美国的宾西法尼亚，八岁时随家迁移到Fort Lauderdale，以后就一直成长和生活在那里。幼年时的Jaco就喜爱上了R&B音乐，经常去看一些乐队的演出。他十岁时开始学打鼓，两年后便加入了一个当地的小型爵士乐团“Sonics”，后又作为鼓手加入“Las Olas”铜管乐队。十六岁时，Jaco开始学习贝司，几年的鼓手经历给了他优越的节奏感，他的贝司演奏技艺进步很快，不久，他便成为了当地的一个小有名气的爵士贝司手。  

       Jaco的性格向来不拘小节，甚至有些古怪，在音乐上也是如此，对他来说，没有什么非遵循不可的理论和章程。他在一次练琴的时候，忽然觉得指板上的被磨得很旧的品丝非常碍事，总是使弦发出难听的杂音。在无法忍受的情况下，这位天才老兄竟然抓起一把钳子，将贝司指板上的品丝全部拔了下来，又涂上一层环氧树脂，然后开始安心地弹奏这把没有品的电贝司。Jaco这个一时冲动下的革新，竟然无意地开创了贝司演奏的一个新时代。无品贝司的音色圆滑、优美，象低音号一般，很适于表现旋律。这正符合了Jaco的意愿，他不只做个把持节奏的贝司手，他要使贝司成为能够引领旋律的主音乐器。  

       73年，Jaco在Miami大学担任兼职贝司教师，他的学生中后来较有成就的有Mark Egan，Frank Gravas，和Hiram Bullock。74年是他辉煌的开始，那年中他与Little Beaver录制了布鲁斯专辑“Party Down”，后又与另一位引人注目的Fusion乐的新秀Pat Metheny合作录制了一张爵士专辑。75年，他继续与Pat Metheny合作，录制Pat Metheny的经典专辑“Bright Size Life”，同年录制了自己的专辑“Jaco Pastorius”，并受到当时最受欢迎的爵士乐队Weather Report的邀请，参与了他们的专辑“Black Market”的录制。76年，Jaco正式加入了Weather Report乐队，直至81年。Weather Report乐队的键盘手Joe Zawinul和萨克斯手Wayne Shorter都曾经和爵士大师Miles Davis合作过，也可谓是顶尖的组合。Jaco的贝司音色为乐队增加了特色，逐渐成为了乐队重要组成部分。在Weather Report之外，他还和许多音乐家合作录音或演出，如Joni Mitchell，Bireli Lagrene等。80年，Jaco在家乡录制了自己的专辑“Word of Mouth”，这是一张很有创新意义的专辑，乐曲囊括了爵士乐的多种风格。此后，他脱离了Weather Report，自组了一只名为Word of Mouth的爵士大乐队，在各地进行巡演。83年，华纳公司发行了 “Invitation”，一张Jaco与Fusion吉他手Mike Stern在日本演出的现场专辑。    

      事业的颠峰也正是这位伟大的贝司手的悲剧的开始。Jaco长期使用毒品和酒精来缓解工作和精神上的压力，到八十年代中期，他的神经已经受到了严重的损坏，以至经常做出一些破坏性的举动。最严重的一次是84年的Playboy爵士音乐节上，他在中场休息时突然冲上舞台，捣毁演出设备。这些事件使Jaco成为了音乐界的贱民。在接受几次精神治疗后都没有效果，频繁地因醉酒或精神混乱闹事而被捕。在一片混乱的生活当中，他仍旧和一些著名乐手合作，包括吉他手Randy Bernsen，鼓手Brian Melvin等，录制了一些乐曲。87年，Jaco的精神状态继续恶化，更疯狂地酗酒，扰乱社会治安，破坏演出，并且开始露宿街头。当Jaco听到他两个幼年时的好朋友的死讯后，陷入一种深深的沮丧和抑郁当中，中断了任何方式的治疗。87年9月11日，在Santana的演唱会上，他又冲上了舞台，乱蹦乱跳，由于衣衫褴褛，人们根本不认识他是谁，被保安赶下了舞台。87年9月12日早上，当他试图砸开一家酒吧的门时，心脏病发作。在他独自奔往医院的路上，昏迷过去，再也没有醒来。  

       在Jaco死前的一两年里，人们几乎已经忘记了这位伟大的贝司手的名字。然而在他的死讯传出后，人们才惊讶地回忆起这位贝司英雄和他音乐上的成就，Miles Davis甚至也写了一首纪念Jaco的曲子“Mr. Pastorius”。然而对Jaco来说，人们的关心已经来的太晚了。

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吉它手Yngwie Malmsteen

      1963年6月30日，在瑞典的stockholm，lars johann yngwie lannerback诞生了。这年的beatles刚在英国利物浦闯出一小点名声来，整整20年之后，当这个长大后满头棕发的婴儿踏上落杉矶机场的地面时，一段辉煌的音乐道路将正式铺开。
       yngwie出生后不久，军官出身的父亲和具有艺术家气质的母亲离婚了。这个单亲家庭的成员里，yngwie是最小的。他的母亲rigmor，姐姐ann louise和哥哥bjorn都认为小时侯的yngwie（这个名字取自于他母亲的一个旧情人）是个野孩子，很不服管教，“他所做的一切都有一种野性在里面”。
       音乐，尤其是吉他，起先并没有引起小yngwie的注意。早先他也试图学过一些钢琴和小号，但都有始无终，妈妈在他五岁生日时买给他的木吉他一直挂在墙上无人理会。一直到1970年9月18日那一天在电视上看到了关于吉他手jimi hendrix死讯的专题报道，他的心里仿佛有了某种触动。七岁的yngwie惊讶地看到hendrix如吸毒般陶醉地演奏，在音箱前用巨大的回授震撼着观众，最后将吉他付之一炬，这一切令让年轻的yngwie找到了自己的路。

       jimi hendrix去世的那天，就是吉他手yngwie诞生的日子。
      yngwie最初的吉他是一把老mosrite琴，之后是一把便宜的stratocaster。yngwie通过练习deep purple这类乐队的歌曲来同时提高自己的音乐素养和吉他技巧，“深紫”的吉他手ritchie blackmore那种受古典音乐影响的演奏方式使他深受影响。而他姐姐对于古典音乐的喜好也给予yngwie来自大师们的启发：巴赫，维瓦尔第，贝多芬和莫扎特。就在yngwie开始尝试把这些古典音乐的结构和曲式融入自己的吉他演奏时，他那独特风格的雏形产生了。他每天几乎是一刻不休地勤奋练习，经常弹着弹着就一头歪在吉他上睡着了。
      10岁那年，yngwie继承了母亲的姓氏，正式改名为yngwie malmsteen。这时的他由于过于专注于练琴，逃课成了家常便饭。而他在学校时候，则被看成是一个到处惹麻烦的家伙，因为他经常与那些“专门干傻事的家伙”打架。唯一出色的是他感兴趣的那两门功课，英语和艺术。他的母亲清楚地看到了儿子音乐上的天赋，所以非常开明的默许yngwie逃课呆在家里摆弄吉他和录音机。就这样，他的吉他演奏技法迅速地得到了提高.如何在古典音乐的正常曲式和hendrix那种即兴演奏中找到一座联系的桥梁呢？19世纪俄小提琴家尼古拉·帕哥里尼似乎是一个答案。当yngwie在电视上看到一位俄国小提琴手演奏帕哥里尼的名曲24 caprices时，他开始明白如何把他对古典音乐的喜爱嫁接到舞台即兴演奏的魅力之上了。
      15岁的时候，当yngwie把摩托车开到学校的主干道上时，学校显然已经不能再容忍这个张狂的家伙了，他只能收拾东西回家了。yngwie的第一份工作是在一家琴行做修理工，他的木工技巧在这里派上了用场。也就是在这里，他做成了第一个整体琴颈。这个琴颈的代价是一个17世纪的管风琴，他在琴颈上预留出音品的位置，然后把多余的地方挖掉，这样剩下的突起就成了品位。他把这东西装到一把旧琴上试了试，效果令他如此满意，以至于他把自己最心爱的吉他也拆了，换上了这个整体琴颈。yngwie发现最后的效果应该说是比普通吉他稍微难弹一些，但对琴弦的控制能力却得到了相当的提高。于是，整体琴颈成了日后yngwie设备的标准配置。

      yngwie在当地组建了一些乐队，这些乐队的风格都是围绕他的重型吉他展开的，这在当时处处糜烂着以abba为代表的流行音乐的瑞典，真是对听众的耳朵和耐心的巨大考验。18岁的yngwie由于在智商检测中拿了高分而被军队征召入伍，也许只有yngwie才做得出来——他拿着枪冲到征募处，叫嚷着与其参军，不如去死的话。当征募官弄清楚他并不是开玩笑之后，就把他放走了。yngwie就这样捍卫了弹吉他的权利。
      yngwie和几个朋友曾经为瑞典的cbs分唱片公司录制过三首小样，但是没有能够得以发行。失望的yngwie知道瑞典不是实现他音乐理想的地方，决定在国外进行发展，他开始往国外的唱片公司和乐队邮寄小样。其中一盘小样幸运地落到了shrapnel唱片公司的创始人，吉他星探mike varney手里，他对这位瑞典年轻吉他手的印象出奇的好。于是他邀请yngwie到落杉矶来参加shrapnel公司的新乐队steeler，这就是yngwie历史的真正开端。　

      美国以ron keel为核心的steeler首张专辑是一张典型的重金属专辑，其中yngwie在hot on your heels这首歌里留下了一段极其精彩的前奏solo。当这张专辑开始被乐迷看好时，yngwie已经来到了alcatrazz，一支由主唱graham bonnett组建的rainbow风格的乐队。yngwie在alcatrazz的表现应该说是很好的，由于乐队其他成员都是相当有才华的乐手，所以yngwie在其中并不显得突出，多数时候他老老实实的做着自己的本分工作，只有在少数几首歌，例如kree nakoorie，jet to jet和hiroshima中，才有他令人惊讶的solo表现。这对饥渴的yngwie来说显然是远远不够的，看来唯一的办法就是全力发展个人道路了。在录制了两张专辑，no parole from rock'n'roll和live sentence之后，yngwie离开了alcatrazz。
      yngwie的首张个人专辑，rising force（上升的力量）一举成功，在美国专辑排行榜上取得了第60位的好成绩，这对于一张以吉他为主，而且没有在电台上进行任何商业宣传的专辑是令人振奋的。这张专辑甚至还为yngwie赢得了格拉美最佳摇滚演奏奖的提名，接下来的一系列荣誉令人应接不暇：数本杂志的读者投票评选他为最有才华的新人，年度最佳摇滚吉他手，年度最佳摇滚专辑......不少音乐家和乐队的首张专辑是其音乐生涯中最好的，yngwie也是其中之一，虽然yngwie的风格在这张专辑中的音乐还有待完善，但专辑中的那种激情和饥渴却是以后的专辑所无法比拟的。这张现在被誉为neo-classical（新古典）摇滚圣经的专辑无疑是这类音乐中的第一张也是真正最好的一张专辑。 yngwie新古典风格的续作在音乐上达到了新的高度，之后的两张专辑trilogy（三部曲）和marching out（推进）无论在歌词或音乐上都显得比rising force更为娴熟。这时候，yngwie独特的吉他技法和作曲能力已经在摇滚界产生了巨大的影响，不少乐手开始尝试这种新古典风格。其中有不少yngwie的模仿者和yngwie第二，yngwie第三等试图照搬他的技法，而并不是从那种独特的音乐理念上去把握新古典风格。由于缺乏yngwie那种音乐上的悟性，这些克隆们听上去总是有点滑稽和做作，这给新古典摇滚运动投下了消极的阴影。
      不幸的事情发生在1987年6月22日，就在他24岁生日的前几天，yngwie驾驶的美洲虎撞到了树上，他的头撞到了方向盘上，把方向盘撞坏了，而他的头颅内出血形成了一个压迫右手神经的血块。在昏迷了近一周之后，yngwie醒转了过来，发现拿拨片的那只手完全失能。音乐道路是否就这样结束了呢？怀着深深的忧虑，yngwie开始了漫长的理疗，理疗过程中，yngwie的右手神经逐渐开始恢复功能。就在他的伤势完全康复后不久，又一个噩耗传来，他生命中给他最大力量和启发的那个人，母亲rigmor在瑞典死于癌症。最为可恨的是，yngwie的一个经纪人在这时落井下石，卷走了yngwie所有的财物，只给他留下了厚厚一叠的医疗帐单——这一切如果发生在普通人身上，恐怕是致命的打击。而yngwie却没有放弃，他很快把自己的精神从悲伤和痛苦中再次转移到音乐上来，只有这样才能挽救自己。
      odyssey（奥德赛）是yngwie复出后的第一张专辑，他本人对这张专辑并不很满意，但却为他带来了更为广泛的听众群和主流市场。一首单曲及其音乐电影heaven tonight成为yngwie把风格转向适于滚动播放的第一次尝试，它也推动整张专辑在美国卖到了将近50万张的成绩。当然，这一切也要归功于来自原rainbow乐队的主唱joe lynn，在他的支持下，一次成功的odyssey巡演让yngwie的听众范围有了新的扩展，而不再限于那些狂热的吉他爱好者了。1989年2月间，巡演在前苏联的土地上场场爆满，莫斯科和列宁格勒的几场尤为成功（yngwie之后半年，才有bon jovi等乐队首次到苏联演出）。在列宁格勒演出的最后一场被录制成现场录象带发行，取名为trial by fire - live in leningrad（火的考验－－列宁格勒现场）。
      巡演之后，这支被人称为rising force的乐队终于解散了，乐队成员各奔东西，yngwie不得不开始寻找新的合作伙伴。 

      迈阿密的新乐队,yngwie来到迈阿密发展他的新乐队，他很快招募了一支全部由瑞典人组成的乐队。主唱的位置由前john norum乐队的主唱goran edman担任，他高亢的嗓音正好与yngwie的古典旋律相吻合。其他的成员都是瑞典的不知名乐手，不过他们后来被证明是富有音乐才华的：贝司手兼弦乐师svante henryson，键盘手mats olausson，鼓手michael von knorring。这套全新阵容的第一张专辑eclipse（蚀）录制于迈阿密的criteria录音室，这张专辑中，yngwie在没有牺牲其古典音乐风格的情况下同样做出了易于接受的流行化音乐。由于polygram唱片公司的促销工作不得力，这张专辑在美国卖的并不好，但是在日本和欧洲，eclipse却成了金唱片和白金唱片。yngwie终于放下心来，把解散rising force后一直隐约浮在他脑海中的担忧抛到了一边。
      出于对polygram唱片公司的不满，他决定离开这个不能重视他的地方。就象yngwie自己常说的那样，他的生活就象“火与冰，要么是真的好，要么是真的坏，没有中庸之道。”一旦来自唱片公司的消极影响结束后，一切都显得那么充满希望。新的经纪人nigel thomas为yngwie努力寻找着新的婆家，直到1991年3月，yngwie和elektra唱片公司签约。
      yngwie在elektra公司的首张专辑fire and ice（火与冰）中消除了前几张专辑中过于商业化的元素，重新回到了他最擅长的古典曲式。整张专辑就象它的封面一样，燃烧着yngwie火一般的热情。专辑的曲风受巴洛克风格的影响很大，充满了复杂的编排和精巧的装饰，而且yngwie终于能够在这张专辑里完成他多年来的心愿：录制弦乐作品。在no mercy这首歌里，yngwie将巴赫ochestral suite no.2中的一段badinerie重新改编后录了进去，效果相当不错。fire & ice在日本一上榜就直接窜到了第一位，发售的当天就卖出了十万张以上，专辑在欧洲得到了金唱片，在亚洲得到了白金唱片。
      yngwie的生活真的就象火与冰，就在他回到迈阿密为新专辑做准备工作时，一系列不幸再次降临到他头上。1992年8月，安德鲁台风席卷整个迈阿密；1993年1月，与yngwie合作四年的经纪人nigel thomas死于心脏病；1993年3月，elektra公司决定不再和yngwie续约；同年7月，yngwie在一次意外事故中摔折了右臂；而在8月，yngwie被警方逮捕，造成了国际性的新闻，最后证明是警方认错了人。
      1993年9月，所有对抗yngwie的力量都疲软了，10月间，当他的手臂完全康复后，yngwie和日本的pony canyon唱片公司签了约。新的乐队阵容是主唱michael vescera（前loudness乐队），鼓手mike terrana（前tony mcalpine乐队），键盘手mats olausson，贝司手由yngwie自己担任（来自落杉矶的barry sparks在以后的巡演中将会出任贝司工作）。
      再次重生,1994年2月3日，为了迎接即将进行的世界巡演，乐队正式开始排练。新专辑the seventh sign（第七印记）于1994年2月8日在日本发行。这张专辑又回到了yngwie早期那种富有攻击性的风格，比前几张专辑都来的重，和早期的marching out有相似之处。the seventh sign很快登上了日本国际排行榜的首位，并且在仅在日本就卖出了三白金的销量。cmc国际唱片公司买下了专辑在欧洲和美国发行的版权，在cmc的积极推动下，世界各地的yngwie歌迷都拿到了这张专辑，虽然在美国yngwie仍然无法取得好的销量，但在欧洲和亚洲，the seventh sign连带着yngwie以前的专辑都销售一空。
      1994年9月和10月，pony canyon公司相继发行了两张细碟，power and glory（权力与荣耀）（主题曲是yngwie为日本柔道冠军takada所作）和i can't wait（迫不及待）（包括两首未发行曲目和几首在东京budokan剧院录制的现场版曲目）。在budokan的现场演出还被录制成日文版的录象带发行，cmc将这盘录象带在全世界进行了推广。这期间，yngwie一直在世界各地巡演，直到1994年11月，乐队才回到迈阿密的家中，奔波大半年的乐队真的需要休息一下了。
      1994年12月，yngwie自己的录音室在迈阿密开始着手建设，复合地板，录音设备，控制设备，一切有条不紊地进行着。同时，yngwie的新专辑magnum opus（巨著）也开始了准备工作。由于yngwie和经纪人一致认为cmc在唱片发行机制上有问题，他们决定脱离与cmc的关系，在1995年6月，当magnum opus的母带送往日本的同时，yngwie和经纪人开始寻找新的欧洲和美国代理商。
      magnum opus巡演开始于1995年9月的日本，完成日本17个城市的演出后，乐队又到英国和欧洲进行了为期两个月的巡演。中途出了一点小麻烦，主唱michael vescera因为感冒发展成支气管炎，落掉了几场演出。不过演出仍然照常进行，由yngwie自己来担任主唱，不过演出计划中的一些歌曲由于音高超过了yngwie嗓子的范围而被取消了。michael病好后跟到德国重新加入了乐队，正好赶上在当地举行的一个音乐节，音乐节上还有另外四支乐队，其中包括传奇性的金属战士saxon。岁末，yngwie和乐队结束巡演，回到美国度假。
      308录音室,yngwie的308录音室在新的一年开始的时候派上了大用场。yngwie邀来了一些老朋友，包括joe lynn turner，jeff scott soto，david rosenthal，marcel jacob和mark boals来参与新专辑的录制工作。长久以来，yngwie的心里一直渴望着能够录制一张翻唱专辑，向那些影响了他的吉他演奏和作曲方式的人致敬，包括deep purple，rainbow，u.k.，kansas，scorpions，rush和jimi hendrix。在老友johansson兄弟的鼓和键盘的支持下，inspiration（启发）专辑开始成型。4月中旬，专辑混音完成，封面美工也已敲定，这是由日本艺术家asari yoda设计的，他将专辑中被翻唱乐队的某种元素合成到一张画中，从中我们可以隐约分辨出这些乐队的名字或图片。
      专辑inspiration发行后，yngwie又开始筹划新的巡演。这次巡演的乐队阵容可以说是最为强大的了，它包括了live in leningrad专辑中的贝司手barry bunaway，trilogy专辑中的主唱mark boals，长期合作伙伴，键盘手mats olausson和一位不同寻常的鼓手tommy aldridge（曾加入过ozzy osbourne，whitesnake，pat travers band等乐队）。巡演的第一站选在了南美，巴西和阿根廷的乐迷让yngwie的演出场场爆满。接着乐队又到了美国，日本和欧洲，在grunge席卷全球的同时，yngwie的演出依然保持了大量的观众，这证明，速度、力量和旋律合一的硬式摇滚/重金属并没有死亡，它仍然保持着顽强的生命力。
      96年的巡演一直延续到年底，这次的巡演中yngwie弹坏了12把吉他。观众热烈的反映让yngwie再次充满信心地投入录音棚。这次的专辑将会非常特殊。 数月的辛勤工作之后，在迈阿密的308录音室，yngwie终于写好了他的第一部古典音乐作品，concerto suite for electric guitar and orchestra in eb minor, op.1（电吉他与弦乐，降e小调协奏曲，第一部）。1997年1月，yngwie来到布拉格开始正式的录音工作。管弦乐队是刚刚度过百岁生日的捷克爱乐乐团。经过三天的录制工作，在亚特兰大交响乐团指挥yoel levi的配合下，yngwie多年来的梦想终于实现了。
      由于某些原因，焦急的歌迷要等到1998年才能听到这张非同寻常的专辑，而这点等待也算不了什么——不少歌迷自打1984年yngwie首张专辑发表的时候就一直在等待了。 不等庆贺弦乐专辑的发表，yngwie又匆匆回到迈阿密开展预定在98年发表专辑facing the animal（面对动物）的录制工作。这张新专辑的鼓手是由资深的cozy powell担任的。这张带有黑色情绪和沉重节奏的专辑无论在评论家眼中还是在乐迷眼中都是一张非常出色的专辑，它被认为是yngwie近十年来最强大的作品。在yngwie的欧美发行代理商mercury唱片公司的大力宣传下，yngwie终于在美国受到了相当的关注，关于这张专辑的采访和评论在欧美各类杂志中层出不穷.
      98年四月的yngwie夫妇实在没有空去担当父母的新角色，因为他们正一道在巡演的路途上奔波。演出并没有因为小antonio的诞生而耽误，所以直到出生三个星期后，这个婴儿才得到他的身份证。四月的yngwie就象所有的父亲一样，始终保持着高昂的情绪，无论在飞机，火车或是汽车里，他总是不停地和大家开着各种玩笑。

      当yngwie庆祝儿子的诞生时，也不得不面对一个悲剧性的损失，这也是整个摇滚音乐界的损失：在英国的一场可怕的车祸中，cozy powell被无情地夺去了生命。震动中的yngwie决定继续facing the animal的巡演计划，他又招募了新的鼓手jonas ostman加入他的巡演队伍。乐队到日本，南美和欧洲都进行了演出，在巴西的一场成功的演出被录制成现场专辑予以发行，名字很简单，yngwie malmsteen live!（现场） 对于北美的歌迷来说则是很不幸的，因为得不到赞助商和唱片公司的支持，yngwie在北美的绝大多数演出计划都被迫取消了。
      巡演结束后，yngwie回到了迈阿密的家中，开始去适应一个父亲的角色。父亲的角色使yngwie再次充满了挑战性，他的热情和野心开始恢复到十五年前的水平。1999年发行的新专辑alchemy（炼金术）几乎又回到了rising force时的那种硬朗的风格，而且声音也比上一张facing the animal更为欧洲化一些。这种根源的回归使yngwie在乐评和乐迷的心目中地位大增，不少久违的歌迷又重新投向了yngwie的音乐。在现在美国rap metal，hardcore盛行的时候，yngwie以最为直接的重金属带给我们一股清新的风，可以说alchemy是美国出产的欧洲音乐，这样的音乐总是能让我们兴奋不已。
      yngwie malmsteen在其20年的音乐路程中经历了各种各样的大喜大悲，作为出道之作的rising force无疑已成为不朽的作品。虽然这20年间也发表了不少音乐上并不特色的专辑，但他的最新作品却又让我们看到了希望。让我们期待yngwie在新世纪继续给我们带来真正的重金属。

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B.B.KING比·比·金

       金于1925年9月16日生于密西西比三角洲的伊塔比纳，原名赖利·B·金(Riley B.King)。金儿时流离于母亲与祖母之间，生活艰辛。少年时代，他是一个佃农，并在教堂学唱。金受乡村音乐与福音音乐的影响很大，同时还有布鲁斯和爵士乐。1946年，金遇到了乡村布鲁斯吉他手布卡·怀特(Bukka White)，怀特教授这个热忱青年演奏布鲁斯的一些技巧。回家后，金于1948年底再赴孟菲斯，并开始了他的职业音乐生涯。很快，他的音乐由当地的WDIA电台播出。该电台播黑人音乐而知名。当WDIA直播他的节目时，称他为“比尔大街布鲁斯男孩”(Beale Street Blues Boy)，后来简称为“布鲁斯男孩”，最后干脆叫B.B。

　　1949年他录制了自己的4首作品[包括一首为妻子所做的《玛莎·金小姐》(Miss Martha King)]。接下来的几年里，金录制了很多作品，金的首支节奏与布鲁斯冠军歌曲是1951年的《三点钟布鲁斯》（Three O’Clock Blues）。

　　50年代时他录制了多首上榜作品，如《你知道我爱你》(You Know I Love You,1952)、《今晨醒来》(Woke up This Morning,1953)、《请爱我》(Please Love Me,1953)、《当我心如锤般跳动》(When My Heart Beats Like a Hammer,1954)、《全部的爱》(Whole Lotta’Love,1954)、《宝贝你让我心烦》(You Upset Me Baby,1954)、《每天我都有布鲁斯》(Every Day I Have the Blues,1955)、《潜行》(Sneaking Around)、《漫长十年》(Ten Long Years,1955)、《厄运》(Bad Luck,1956)、《甜蜜小天使》(Sweet Little Angel,1956)、《我荣誉之言》(On My Word of Honor,1956)、《请接受我的爱》(Please Accept My Love,1958)等。

　　1964年11月，金推出了他在芝加哥演出的现场专辑《雷加尔现场》(Live at the Regal)。同年，《他能有多忧郁》(How Blue Can You Get)。1966年的《别开门》(Don’t Answer the Door)和《当老板的代价》(Paying the Cost to Be the Boss)两年后打入节奏与布鲁斯排行榜前10名，1969年的《为何我唱布鲁斯》(Why I Sing the Blues)。1973年，他到费城录了2首热门歌曲：《认识你便是爱你》(To Know You Is to Love You)和《我喜欢让爱充满活力》(I Like to Love the Love)。1978年，他与爵士风格的“十字军”(The Crusaders)合作录制了《别动得太快》(Never Make Your Move Too Soon)和《当一切来临》(When It All Comes Down)。1993年，在《布鲁斯顶点》(Blues Summit)中，约翰·李·胡克(JOHN LEE HOOKER)、埃塔·詹姆斯(ETTA JAMES)、富尔森、科科·泰勒(Koko Taylor)等参加了录制。

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STEVIE RAY VAUGHAN

史蒂维·雷·沃恩是一位布鲁斯吉他演奏家，1954年生于得克萨斯州达拉斯，是“大雷公鸟”（Fabulous Thunderbirds）乐队成员吉米（Jimmie）的弟弟，在8岁时就加入了“赞美诗”（Chantones）乐队担任演奏，后加入“黑鸟”（Blackbird）乐队，最终他放弃学业加入了“夜间爬行者”（Nightclawers）乐队。

1975—1977年他在当地著名的“眼镜蛇”（Cobras）乐队弹吉他，后来与W·C·克拉克（W.C.Clark，吉他手）和劳·安·伯顿（Lou Ann Burton,主唱）组成了“恐怖剧三部曲”（Griple Threat Revue）乐队。

1981年组成了“双重烦恼”（Double Trouble）乐队。在1982年4月的蒙特勒爵士音乐节上（Montreux Jazz Festival）演出后，1983年与哈蒙德一起录制了专辑《得克萨斯洪水》（Texas Flood）。1982年4月协助“滚石”（THE ROLLING STONES）乐队在纽约演出。

1983年戴维·鲍伊（DAVID BOWIE）邀请他在专辑《让我们跳舞》（Let’s Dance）中演奏。

1984年他在自己的专辑《不能忍受这天气》（Can’t Stand the Weather）中他翻唱了吉米·亨德里克斯（JIMI HENDRIX）的《智利巫毒教》（Voodoo Chile），向这位吉他大师致敬。

1985年他与作曲家汤姆·纽曼（Tom Newman）合作录制了《同心协力》（Gung Ho）。

1986年他推出了双唱片《活生生的现场》（Live Alive）。

史蒂维·雷·沃恩在1990年的一次飞机事故中不幸身亡。

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BRUCE DICKINSON 为金属而战

自序
    我出生在Worksop，它位于英格兰北部，矿藏丰富。小时候我寄居在祖父家，我的爷爷虽是个名不见经传的工人，但却是个帅气的龙头舞者。后来我和父母一起移居到谢菲尔德，并在那儿上了小学。
    当时我父母很卖力地工作，以便供我去外埠有更好的学习环境。于是我13岁就离家出外求学。能从家乡出来，是一个很好的发展机会，可说实话，我并不能完全适应。
    17岁的时候，我在校长的晚宴上撒了泡尿然后就被学校给踢了出来，但我想尽一切办法使这件事造成的负面影响降到最低，这样我才得以在伦敦大学安身，学习历史。这时我发现我不仅能唱歌，而且可以像女妖一样尖叫。如果有一半机会的话，我也宁愿去艺术学校，可我的父母绝不接受这个，因为他们认为历史就像一湾避风港。
    我用我的助学金买了第一批乐器，开始在一些重金属乐队里演奏。那时正是朋克乐的发展中期，与别的重金属乐队不同，我是一个十足的朋克迷，所以我有了将朋克乐融入我的音乐中的想法。后来我认识了一个叫Paul Samson的小伙子，加入了他的乐队Samson。借着重金属新浪潮的汹涌之势，我们做了两张专辑，有一张比较离奇，但另一张相当不错。Paul加进了更多的Blues音乐。再后来我注意到了Iron Maiden。它就像一支呼之放出的火龙，我意识到我可以和他们真的做些东西……

传记
    1981年，Bruce取代了Paul Di’Anno担任Iron Maiden的主唱。1982年乐队的专辑《Ths Number Of The Beast》发行了。它在UK专辑榜上一举夺冠，这使Bruce在乐队的主导地位完全确立了。而Iron Maiden也同时成了世界上最受欢迎的重金属乐队之一，他们的专辑、热门单曲以及他们颇为壮观的现场表演都在时时牵动着众多歌迷的心。风风火火地过完了80年代，在90年代初，Bruce开始属意于个人事业的发展。专辑《The Adventures Of Lord Iffy Boatrace》的发行使人们误以为Bruce的理想是成为一名小说家。尽管这张专辑的风格有些离经叛道，但Iron Maiden的歌迷们还是用心中的狂热让这张专辑的销售数字突飞猛进。这时的Bruce不仅是重金属界的一名敏锐的剑客，还是重金属乐的导航人，甚至人们将他看做是大不列颠的七大名仕之一。人们对他为重金属所做的一切给予肯定并尊崇他为让重金属复兴的使者。
    1993年，Bruce正式离开了Iron Maiden乐队次年，他发行了首张个人专辑《Tattooed Millionaire》。这张专辑的风格与其说是重金属，倒不如宽乏地说它是摇滚乐，它看起来像是Bruce在尝试他在Iron Maiden时所未试过的一种新的音乐发展方向，人们通常比较喜欢把这看作是Bruce音乐个性的另一种探索。这张专辑在UK榜上排名第14。之后他的专辑《Balls To Picasso》(1994)《Skunkworks》(1996)《Accident Of Birth》(1997)每每都会推陈出新，让人迎接不暇，而他的最新专辑《Chemical Wedding》则更是称得上让人睦目的经典。

新作品
    如果中世纪神秘的炼金术与威廉姆·布莱克的诗歌都不得不为重金属服务时，你会怎么想？这不是天方夜谭，Bruce的最新专辑《Chemical Wedding》便是由此得来的灵感，并在此基础上完成的。它获得的褒贬争议更甚于那张颇为成功的《Accident Of Birth》。但说实话这真是一张既是有理性又兼具良好技术的专辑。Bruce在洛杉矶BROOKLYN录音棚里的混音间歇说“这是一张严肃的重金属专辑”。
    “我对炼金术和炼金者都非常感兴趣，”他解释专辑主题起源时说：“在专辑制作的过程中我摆着有关炼金术历史的全部素材。但我还是茫然无措，于是我开始读威廉姆·布莱克的诗，他不仅是一个不平凡的小伙子，还是一个爱幻想、自我意识强烈的人。当时出版界拒绝公开发表他的诗，他们说这是痴人呓语。在他活着的时候甚至说他是精神病。最初人们说他的诗是垃圾，可现在他却是英国文学史上最杰出的诗人之一。只是他现在再也不需要什么了。
    他曾经在他的后花园和上帝交谈，他看得见天使、预言家，还有魔鬼，他用诗抒发这种情感，用画笔描绘浪漫的色彩。他的画和诗使我灵感突发，我研究炼金术的时候，他的名字一直在我的脑海中显现。他是个“炼金”诗人。我想如果你喜欢这个——整个关于炼金术的说法那么这张专辑就是有意义的。它将亚瑟王的
浪漫史，甚至超自然的神秘，世间的好坏都熔解在了一起。

访 谈
问：你认为欧洲的音乐气氛与英国是否有很大差别吗？
答：在某些方面是的。在一些地方……我想在美国就很突出。在那儿事情发生得很快，一旦某些方面变化的进程发展了，那么它会继续被欣赏。这对重金属乐队来说是非常有利的，我想这与重金属我再度流行不无关系。它真的具有一些引导性在那儿真的会有一些动力给予他们支持。

问：但人们现在不再叫它重金属，而代之以喧闹摇滚、土老冒？
答：那是因为他们根本就不懂，但我不会，我懂，它就是重金属。

问：在这张专辑里，你的合作伙伴有谁呢？
答：乐队和上张专辑的队伍一样，同时也是上次巡演的乐队。主音吉他Adrian Smithth、吉他Roy Z。贝司手Eddie Casillas，鼓手Davic Ingraham，还是在同一个录音棚里。制作人是Ray Zeke。唯一不同的，是歌不一样了。音乐不同了，它更重，整张专辑比上一张重多了。

问：真的？它有像上一张专辑里那样轻柔的歌吗？
答：没有。

问：一首也没有？
答：一首也没有。这张专辑无一例外，全部都是重金属，从开始到结束。

问：我想你现在要比在铁娘子的时侯快乐得多吧？我的意思是说你现在做的音乐比你在铁娘子乐队时做的非常不同。
答：是的。我开始做音乐时没与任何人搭伙，而是与他们在一起。在我与他们或他们与我之间都有太多的尊重。所以我不会那么想。至于音乐的不同，那是肯定会有的。

问：你现在还会和那些小伙子在一起吗？
答：当然。我们依然会和彼此在一起的原因之一是，我们都保持着这份尊重与距离，这是对彼此过去情感的注释。我们都不得不生存在同一个宇宙，分享着同一种管理制度。所以这有点像离婚了还必须共用同一间浴室。

问：听说Chemical Wedding巡演推迟了？为什么？
答：因为CMC唱片公司拒绝支持这一巡演。其实我们对因为巡演而损失大量金钱的事已经习惯了。所以我们宁可自己出一些钱或者五五分帐来促成这次巡演，但就是这样他们还是拒绝给予支持。

问：他们的理由是什么？
答：他们说他们不认为这张专辑会给人们留下些什么。他们拒绝让它上电台打榜。因为他们说他们不准备为此而花钱。不管你说这是愚蠢或是搞破坏，总之我是被打败了。他们始终认为做重金属音乐会是个负担很重的赌注。他们认为重金属好像就是一种简单的扑克游戏而不是一项正规的工作。这令我很倒胃口。铁娘子乐队非常明智地离开了这个公司，实际上我们也能，这不是迫不得已的事。我唯一的遗憾的是他们拥有我两张最好专辑《Accident Of Birth》和《Chemical Wedding》的版权。无疑他们会非常高兴持有这一特权这足够他们卖上几年的。

问：他们的版权将拥有多长时间？
答：很不幸，会有很长时间。我只能听天由命。不过能让我看到些希望的是我自己在欧洲的公司，这意味着我至少可以在欧洲和南美控制《Chemical Wedding》的局势。如果有可能我将非常乐意把我的专辑引进美国。同样的，当我的新现场专辑出炉的时候，我不会再向任何人透露，我将离开某些大人物的手掌心，让我
的生活自给自足。

问：能谈一下你的新专辑吗？
答：这张专辑是4月份举行的南美巡演的现场CD，已经录制完成了，应该会在9月份发行。

问：它还会是完全的重金属乐吗？
答：是。

问：和《Chemical Wedding》一样？
答：这不一定。我不想在发行之前做有关评论，但这专辑里肯定会有新的音乐元素，同时我们也决不会失去铁娘子乐队固有的声音。因为世界上具有独一无二的声音的乐队很少不过“铁娘子”恰是其中之一。

问：最近有什么新活动吗？
答：也许是明年，也许是今年夏天，我可能会演电影。

问：什么电影？
答：电影名字还没定。故事大致是这样的在1800年有一些妖魔要毁灭地球。于是有一个人组织了一批拿着旧式武器的斗土，要阻止它们。我演斗士之一，当然我还没有做最后决定。

问：它会在美国发行吗？
答：当然。这是由英国出资拍摄的，据推测会在布拉格开镜。目前我们正全力以赴制作其原声带。我想Air Rid公司会购买它在欧洲的版权。但电影原声带对音乐有很多不一样的要求。谁知道呢，总之这挺有趣的。

问：你怎么看新闻记者？
答：我想他们只会发布一些消极的评论，这是他们的一惯伎俩。他们喜欢这么做，我可不认为这会对任何一支乐队有益。

问：你偏爱谁的巡演？
答：我想是BLACK SABBATH的，你不这样认为吗？

问：你喜欢听哪种音乐？
答：Fear Factory、Garbage、Neil Young的一切。

问：你还有什么要说吗，对你的新专辑？
答：也没什么，它很古怪。不过在你要说话之前，请你先听两到三遍。因为它被制作了两三遍。我建议要想有真正好的体验，那么你需要耳机，黑暗的屋子，从头至尾，细细聆听。这会让你觉得很舒服。

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贝斯大师----Stuart Hamm

简介
       80年代后期，Stuart Hamm在贝斯独奏领域的出色表现引人注目。他并没有想到自己先锋性的探索会带动之后的新一代贝斯手去不断突破电贝斯这件乐器的传统，展开贝斯作为独奏乐器的发展历程。通过他对贝斯独奏艺术的展示以及在当时看来并非正统的技术运用，电贝斯很快走在了低音乐器发展的前沿。Hamm对贝斯演奏技法的创新与贡献使他毫无争议的获得了伯克利音乐学院颁发的“优秀校友奖”。与此同时，包括《Guitar Player》读者票选最佳摇滚/爵士贝斯手在内的更为普通乐迷熟悉的奖项也对Hamm的成就给予了肯定。
       在独奏上，Hamm用他精湛的勾击技巧、弗拉门戈技法、复调双手点弦、和弦解构、和声编写以及指弹funk风格开辟了全新的领域。作为伴奏乐器，他在Joe Satriani和Steve Vai的巡演与录音中留下了无数光彩夺目的贝斯段落。他与GHS琴弦、Harke放大器与音箱的亲密合作一直持续到现在，并拥有了Fender公司为他定制的“Urge II”系列签名琴。

经历
       1960年，Stuart Hamm出生于美国新奥尔良，与他的两个哥哥一同在音乐氛围浓厚的家庭中成长。Hamm的独奏风格反映了他童年时期受到的多样化的音乐风格的影响。他的父亲是非常为人敬重的音乐学者与教育家，曾写作了很多与美国流行音乐发展息息相关的音乐教科书，是美国音乐家协会的早期主席之一。他的母亲演唱歌剧，同时也是一位声乐教师。Hamm的大哥演奏萨罗达琴，教授古典北方印度音乐。在这些传统音乐的熏陶之外，Hamm还受到了他二哥的影响，接触了古典、爵士以及摇滚等众多风格，从Miles Davis、Retrun to Forever到Mahavishnu Orchestra的作品都有涉猎。
       Hamm在伊利诺斯州Champaign的一个小镇中度过了他的童年时期，他的音乐旅程在这里开始于演奏钢琴和长笛。初中时，Hamm继续学习钢琴演奏，但是改长笛为双簧管。1973年，他得到了第一把贝斯，并在进入高中时成为了他的主要乐器。在自学并精通了基本的演奏技巧之后，他加入了高中的爵士乐队。高中阶段的后期，Hamm一家搬到了弗蒙特州一个小镇，在那里继续学习贝斯演奏，但是他发现在这里作为演出乐手的选择权非常有限。在与来自Dartmouth学院的乐队合作时，Hamm成为了Yes乐队的Chris Squire以及摇滚风格的忠实乐迷。正是在这一时期，在听到贝斯演奏家Stanley Clarke的演奏之后，Hamm立志成为演奏最快的贝斯手。
       高中毕业后，Hamm进入了位于马萨诸塞州波士顿的全美最负盛名的伯克利音乐学院，同期入学的还有Jeff Berlin、Randy Coven以及Victor Bailey等著名乐手。入学后不久，Hamm被介绍给吉他天才Steve Vai。在伯克利学院学习期间，Hamm开始尝试把钢琴的乐段转化到贝斯上演奏，由此开始了他先锋性的对双手点弦技巧的探索。1978年11月8日，Hamm目睹了Weather Report乐队真正的天才贝斯手Jaco Pastorius的现场演奏，这场音乐会影响了Hamm的整个音乐生涯。在仅仅两个学期后，Hamm离开学院开始为一个猫王模仿者支持的乐队做巡演乐手。一年后，他回到了伯克利，一个学期后决定正式离开学院。在伯克利的短期学习与数年的巡演经历为Hamm与各种风格乐队的合作积累了宝贵经验，在Steve Vai的鼓励下，Hamm最后到了西海岸，开始为Vai的第一张专辑《Flex-Able》录音。
       在与Steve Vai合作数年并尝试了大量音乐风格之后，Hamm被引荐给Steve Vai的音乐导师Joe Satriani。Hamm与Satriani的合作堪称天衣无缝，很快便投入到了他的全球巡演中。在Satriani的许多专辑中都可以听到Hamm的演奏，其中的《Flying in a Blue Dream》和《Crystal Planet》尤为精彩。Hamm在Satriani的双张现场专辑《Time Machine》中的演奏同样无可挑剔。如果你对吉他技巧有深入了解，那么Steve Vai的《Passion&Warfare》是值得细细品味的，是我心目中有史以来最伟大的吉他录音，Hamm在这张唱片中的表现真正做到了完美。
       80年代后期，Hamm开始大量参与了Satriani的巡演，在演出间歇，他努力挤出时间投入到个人专辑的录音中，于1988年推出了历史性的独奏专辑《Radio Free Albemuth》。，在这张专辑中，Stuart Hamm用他灵巧的双手与难以企及的高超技术洞开了贝斯独奏艺术的大门。他用双手点弦的技巧完美的改编了贝多芬的《月光奏鸣曲》与德彪西的《Dr.Gradus Ad Parnasum》。虽然Hamm并不是最早改编钢琴曲的贝斯手，但毫无疑问是他在80年代后期推动了双手点弦的普及。这张专辑可以毫无争议的作为演奏技术与音乐性完美结合的典范，从《Flow My Tears》中的精妙滑弦到《Sexually Active》中疾风暴雨般的速度都是里程碑式的经典作品。
       1989年，Hamm推出了第二张专辑《Kings of Sleep》，再次把贝斯独奏艺术推上顶峰。在这张专辑中，Hamm用他那时的Kubicki 贝斯的混合键做出的雷鸣般的击勾弦演奏开场，引人入胜。他再次成功的改编了巴赫的《Prelud in C》。在《Surely the Best》中，Hamm展示了高超的和弦解构技巧和来源于作为钢琴手时掌握的惊人的和声对位。《Terminal Beach》中的高超击勾弦演奏同样不容错过。这张专辑中的《Count Zero》意义最为重大，Hamm完整的展示了被称为“弗拉门戈过渡”的全新的击勾弦技巧。
       1991年，Stuart Hamm带领我们走进了他的另一片音乐领域，推出了全然不同于前两张纯器乐专辑的《The Urge》。在这张专辑中，Hamm拿起了话筒，邀请吉他手Eric Johnson、Harry Cody，鼓手Steve Smith和Tommy Lee（就是Motley Crue乐队那个）组成了全明星阵容来伴奏。在贝斯演奏方面，《The Hammer》、《Lone Star》、《The Urge》以及令人耳目一新的《If Your Scared Stay Home》同样不容错过。这张专辑中还收录了1990年在Joe Satriani巡演中演出的最伟大的贝斯串烧《Quahogs Anyone?》。
       在此后的十年中，Hamm几乎在独奏领域消失了，直到他在2000年8月推出第四张专辑《Outband》。这张专辑成功的融合了rock、jazz、fushion、techno等多种音乐元素，展示了Hamm音乐艺术的另一个侧面。他还用无品贝斯演奏了大量旋律，以更深的触动听者的情感。主要作品包括有着拂面儿来的点奏的标题曲以及与Youth Engine配合的《Castro Hustle》和《The Memo》等用热烈的击勾弦演奏的乐曲。这张专辑中同样不乏精彩的贝斯独奏曲，在《The Star Spangled Banner》中，Hamm将古典味道的双手对位演奏运用到了整个指板上，同时展现了高超的和弦编排技巧。在《Charlotte’s Song》中，Hamm用小型贝斯配合效果器做出了非常柔软的音色。这张专辑不仅展示了可贵的创新精神，更使Hamm重新成为了贝斯独奏艺术的代表，在电贝斯发展历程中留下了难忘的一页。
       在独奏和为Joe Satriani巡演之外，Hamm与吉他手Frank Gambale以及鼓手Steve Smith组成了充满新异的全新三重奏乐队。他们在1998年推出了《Show Me What You Can Do》，这张充满了创新精神的专辑的主打曲包括《Wrong and Strong》、《Bad Intent》、《Astral Traveller》和《Dangerous Curves》等。他们的第二张专辑《Light Beyond》于2002年推出，更具方向性的三重奏风格令人耳目一新，主要作品有《Katahdin》、《First Look》、《The Throne of Savitar》和《Yin》等，其中还收录了Hamm精彩的《Nostalgia》。这个组合的新作品非常值得期待，因为Hamm最为大胆的尝试都出现在了他们的作品中。
       Stu Hamm的音乐对任何贝斯手来说都是不可多得的珍贵教材，不仅在于他无懈可击的技术运用与创新，更在于他的作品始终保留了完美的音乐性。对国内乐手来说，他的演奏手法可能是遥不可及的，但是你一定可以从中看到贝斯的强大表现力。

[此贴子已经被作者于2007-4-24 21:49:37编辑过]

Stuart Hamm作品 >>>个人专辑<<< 《Radio Free Albemuth》 1988年 Relativity唱片公司

Stuart Hamm的第一张独奏专辑，有几首作品有Joe Satriani的参与。Hamm在这张专辑中改编的贝多芬的《月光曲》精彩绝伦，令人难忘。《Flow My Tears》与标题曲《Radio Free Albemuth》灵感来自Philip K Dick的小说。其中还包括诙谐的《Country Music》（A Night in Hell）和《Sexually Active》等。

《Kings of Sleep》 1989年 Relativity唱片公司

Stu的第二张个人专辑，Hamm在这张专辑中展示的演奏技巧更令人惊叹，吉他手Harry Cody和Buzzy Feiten（译注：Buzzy Feiten凭借他的“矫正调音系统”足以名垂青史，具体介绍请参考拙作：）参与了伴奏。《Kings of Sleep》中收录了改编自巴赫的《Prelude in C》，贝斯独奏作品还有《Terminal Beach》等。Hamm给了吉他手Feiten和Cody充足的表现空间，合作作品相当出色。 《The Urge》 1991年 Relativity唱片公司

以Hamm手中的贝斯命名的专辑，在封面上Hamm也把他的爱琴放在了视线中央。是第一张收录了Hamm演唱作品（《Lone Star》《Our Dreams》）的专辑，由吉他手Eric Johnson伴奏。在现场录音的《Quahogs Anyone》中收录了Hamm对《Linus And Lucy（Peanuts的主题曲）》的独特演绎，这段现场录音来自1990年9月27日在Santa Barbara的音乐会。这张专辑还有吉他手Buzzy Feiten、Harry Cody、Dawayne Bailey以及Steve Recker的参与。 《Outbound》 2000 Favored Nations唱片公司

经过了近十年的等待，Hamm最新的专辑《Outbound》终于与乐迷见面了，此时的Hamm已经同时被《Bass Player》与《Guitar Player》两大最著名的杂志评选为当代最杰出的贝斯大师，并在与吉他大师Joe Satriani、Eric Johnson、Steve Vai等人的合作中受到了极其广泛的赞誉。吉他手Mark McGee、Judah Gold和Tal Morris参与了这张专辑的录制。Hamm用他的签名琴和键盘演奏了大部分“吉他”的声音。这张专辑灵感来源于城市生活中的各种声音，开辟了贝斯演奏的全新领域。 >>>GHS专辑<<< “GHS”是Frank Gambale、Stu Hamm与Steve Smith组成的乐队。 《Show Me What You Can Do》 1998年 Tone Center公司 如果你把三个大师扔进一间屋子，让他们写点能表现他们的技术并且同时要很好听的东西会发生什么呢？Tone Center公司把澳大利亚吉他大师Frank Gambale、贝斯大师Stuart Hamm与鼓皇Steve Smith放到一起试了一下。结果是一张力量强大的疯狂专辑。从雷鸣般的开场曲《Bad Intent》来看，3位显然玩的很爽。更为激烈的是《The Promise》，Gambale冲浪般的吉他演奏与Hamm、Smith轰鸣的重击带来了强大的冲击力。中间的《Slink》稍微沉稳了一下，而后由Smith引入的《Wrong and Strong》再次掀起了高潮。较为平缓的《Tanya’s Touch》证明了他们不仅仅是技术狂人。在专辑最后的《Lydia’s Love Van》中，闪电般的速度撼人心魄。 《The Light Beyond》 1998年 Tone Center公司 GHS的这张专辑显示了他们的配合已经更为成熟默契。作家Josef Woodard说：“宣布Fusion风格的死亡言过其实了，这个三重奏组合发展出了特殊的能量与灵感。”这张专辑中有很多美妙的旋律，并且不那么晦涩，或者说并不很爵士化。总体来看，这张专辑更旋律化，而并不想先前那样精力充沛。可以说，这张专辑宣布了fusion风格的复兴。 《GHS 3》 2002年 Tone Center公司 GHS的第3张专辑是他们最具野心的一张作品。3位大师的配合异常精彩，没有让乐迷失望。开场曲《All in Your Head》是一首能量强大的爵士摇滚作品，Smith的力量与Hamm出色的律动相得益彰，Gambale杂技般的木吉他solo更是难以置信。忧郁的《November》是Hamm的贝斯展示，《Culture Club》则展示了Smith的惊人鼓技。专辑中Gambale演奏的《The Challenger》堪称跨音程演奏的示范作品。 >>>参与Joe Satriani的专辑<<< 《Live in San Francisco》 2001 《Crystal Planet》1998 《Flying in a Blue Dream》 《Dreaming No.11》 《Time Machine》 《G3 Live in Concert》 >>>参与Steve Vai的专辑<<< 《Flex-Able》 《Flex-Able Leftovers》 《Passion and Warfare》 >>>参与Richie Kotzen的专辑<<< 《Richie Kotzen ‘89》 >>>参与Frank Gambale的专辑<<< 《The Great Explorers》 >>>参与Steve Fister的专辑<<< 《Shadow King》 >>>合辑<<< 《Working Man》1996 《Merry Axemas,Volume 2》1998 >>>教材<<< 《The Stuart Hamm Bass Book》书 《Slap, Pod& Tap for the Bass》视频 《Deeper Inside the Bass》视频

Slash SLASH，1956年7月23日出生于英国伦敦的汉普斯顿，在英国的斯塔福德希尔长大， 原名Saul Hudson. 母亲是美国黑人而父亲是英国白人。双方都是艺术家并且都在娱乐界工作。他母亲是一位服装设计师，客户主要是娱乐人物。其中有象David Bowie那样的让人难以忘却的客户。而他父亲主要给人提供唱片录制提供艺术指导，其中两名比较著名的客户是Neil Young和Joni Mitchell。 十一岁时，SLASH离开英国的父母只身一人移居到洛杉矶。由于出身英国，他在美国只能算是一名移民，就这样又单身过了好几年。最后一家人还是在洛杉矶团聚，就在那里SLASH经过了艰难的转变，因为当时的南加州还是比较保守的。一头长发、一身牛仔和体恤显得与当时的其他孩子格格不入。置身校外，他在家过着放荡不羁的生活。受到父母那些艺术家朋友的熏陶影响，SLASH已经习惯了音乐界的那些偏激及情绪。Joni Mitchell, David Geffen, David Bowie, Ron Wood以及Iggy Pop都是Hudson家的常客。 SLASH说过，这些环境都为他以后能够轻松面对音乐以及商业和艺术之间冲突所带来的压力做了非常充分的准备。 20世纪70年代中期，他父母离异。SLASH只好搬到他深爱着的祖母那里去住，一直到他能够分清家里的形势。大约在这个时期，SLASH发现了BMX车队，于是就加入了他们的行列一起带着激情骑行。SLASH骑车几乎从来不用刹车，这点说来也不希奇，因此他也就理所当然成为了专业的BMX骑手，并且获得了很多奖项和奖金。 15岁的时候他开始上中学。SLASH的祖母给了他一把吉他，虽然只有一跟弦，他还是能够用来练习弹奏。 SLASH的早期音乐的影响主要来自Led Zen, Eric Clapton, the Rolling Stones, Aerosmith, Jimi Hendrix, Jeff Beck和Neil Young。他认为是Aerosmith的名为ROCKS的唱片改变了他的生活。同自己生活中的偶像一起演奏音乐对他来说是非常难得的机会。在巴黎与Jeff Beck和Joe Perry的同台演出极具影响力。他还与吉他之王Eric Clapton一起演奏过。SLASH还同其他许多艺术家演奏过，其中有Lenny Kravitz, Paul Rogers, Iggy Pop, Michael Jackson以及Brian May等。 不久他便自行车丢到一边，而把精力都投入到了每天至少12小时的吉他练习中。他常常逃课，坐在长凳上一整天的练习吉他，因此功课开始跟不上了。虽然在学校的学习遇到问题了，但他的社交却更好了。其他的孩子开始认为SLASH的行为很酷，现在他再也不是被社会遗忘的人了。SLASH开始加入不停地加入其他年轻音乐人组成的乐队。最后，SLASH只好放弃了学校的学业，他于11年级的时候被开除。然而另外一种教育正在等着他，那就是洛杉矶的乐队天地。 他遇到了Steven Adler并成立了ROAD CREW乐队，当时他们正缺一名歌手，然后他又遇到了Izzy Stradlin，他为SLASH唱了W. AXL Rose的好多歌曲。 于是SLASH就去看AXL的演出，立即萌发了要抢他过来的念头，但是他们两个印第安人是非常好的朋友。 之后，SLASH找到了他的贝司演奏者Duff Mckagan，他是根据SLASH在报纸上的广告找上门的。 所有的演奏者都在一起相互改变，但是结晶就是Guns N’Roses! 加上他们与生俱来的天赋和许多的巡回演出，乐队开始成为了一个国际知名度的团体。 然而经过了传奇式的巡回后, Guns N’Roses开始了其注定的中落, 此时SLASH已经成为了美国公民。因为他认为移民的各种麻烦，丢失绿卡等实在太浪费时间了，所以就干脆加入了美国籍。这个时候他很少休息，一心就想组成一个新的乐队作为他延续无法再挽回的GNR事业的另一出路。后来，Matt Sorum, Gilby Clarke, Mike Inez, Eric Dover跟SLASH新组成了蛇穴乐队并录制了唱片----《IT’S FIVE O’CLOCK SOMEWHERE》。 SLASH从来就是待不住家的人，所以他继续和他的乐队巡回奔波，当时的成员除了自己还有：Gilby Clarke, Brian Tichy, James Lomenso和Eric Dover。SLASH从不介意在小场子演出，他能够在俱乐部里与听众融合的非常自然。而唱片《IT’S FIVE O’CLOCK SOMEWHERE》开始响誉世界，SLASH表示蛇穴乐队将再次回来。 1996年夏天，SLASH被邀请到匈牙利的布达佩的布鲁斯音乐会上演奏。他找了几个同行的音乐表演者一同前往欧洲。一开始，他们就被称为是“SLASH’S blues ball”乐队，虽然这支乐队没有录制过一张唱片，还是被广大的赞助者和其乐迷所追随。 然而同时，SLASH正在撮合Axl Rose和Guns N’Roses的合并。两个乐队谈了关于乐队音乐的发展方向。SLASH认为GNR是一支摇滚乐队，而Axl Rose却想跟GNR一起朝电子音乐发展。经过了一系列的会面和白热化讨论之后，SLASH于1996年十月退出了GNR乐队，而乐队名称仍然保留了Rose的字样。SLASH并没有因此而躲在家里发愁，相反他却忙着他的Blues Ball乐队。这个乐队主要演奏一些布鲁斯乐曲，因此他们能够直接开始爵士乐的表演。1996年末到1997年秋，SLASH的Blue Ball乐队走遍了加州的的俱乐部，并深入到南方和北方。但是他们很快暂时隐退了或者也偶尔只做一些演出，你根本无法了解SLASH。 当SLASH离开Guns N’Roses的时候，他的许多乐迷包括媒体都在想，凭着他的天赋和性格，接下来他究竟会做什么呢？起初，人们认为Axl跟SLASH的不和只是暂时的，最终会和解告终。SLASH也曾说过，只要Axl Rose走摇滚唱片的道路，他是很愿意回去的。当Rose用雇来的乐手和一些不知名的人物来填补GNR时，SLASH就说的很清楚，蛇穴乐队是他永远的乐队。他说他能跟他的最初乐队偶尔演出或者进行很短的巡回演奏，但是他绝对不会跟名不符实的Guns N’Roses同台演出。 正如许下的诺言，SLASH带着他的蛇穴乐队回来了！他手中有300多盘来自那些想加入他乐队的音乐演奏家的试听版。随后他确定了Matt Laug(前Venice乐队成员) 作为其乐队鼓手；Johnny Griparic(前SLASH’s Blues Ball乐队成员)为低音演奏者。第一位吉他手是Ryan Roxie, 他是Dad’s Porno Magazine和Alice Cooper乐队成员，他参与了前期唱片的录制，但是后来离开去了别的乐队。SLASH然后又成功地请到了非常棒的Keri Kelli作为乐队的第二吉他手。而乐队的歌手则是新人Rod Jackson，来自佛吉尼亚的Ragdoll乐队。乐队新的专辑于2000年10月10日在美国发行，主打歌曲为欢快节奏的《Ain’t Life Grand》。 SLASH的蛇穴乐队在美国北部开始他们的巡回演出的起点，这使得乐队的暴光率大大增加。蛇穴乐队在远东地区的巡回取得了极好的成绩，而后同年11月开始了他们的欧洲之旅。2001年2月，乐队在美国开展了俱乐部巡回表演，收效颇好。但是到三月11日，SLASH得了流感，剩下的演出只好被迫取消。随后，乐队于三月在美国又开始了AC/DC表演，而SLASH的流感却已经转成了肺炎。很难想象如此有活力的一个人现在却被病魔击倒，但时间并不很长。2001年五月SLASH康复并开始计划接下来的巡回演出。 这一次，SLASH不象以前看待蛇穴乐队那样看待他现在的乐队和专辑。1995年时候的蛇穴乐队的他更注重的是放松和充实时间。而现在的乐队却经过了很精心的的规划和组织，不过SLASH仍然延续了他那乐迷钟爱的原滋原味的摇滚风格的音乐。 很快，SLASH的蛇穴乐队又将有新的专辑发行。SLASH本人声称，乐队的新专辑已经录制了一半，因此他们不久又可以跨出门口进行巡回演出了。那样就会有更多接触乐迷的机会和现场的音乐演奏了。 SLASH的生活曾经一度被认为是摇滚音乐颓废的标志,但是他用自己的方式让人们放弃了的这种观点。SLASH曾经有吸毒上瘾，但是现在他已经戒了好几年了，还有他极度的酗酒也是人人皆知的，并且他现在仍然抽着Marlboros和Galitanos。 自从SLASH爱上了Renee Suran之后，他的生活开始发生了重大的改变。他们于1992年10月10日在加州的Marina Del Ray结婚，Renee没有参与到摇滚的队列中，但是众人皆知她是一位美丽可爱少女，且一直深爱着SLASH。她热爱她自己的事业----模特兼演员。夫妇两人同时出演了Howard Stern的电影《Private Parts》。但就在1997年的秋天，两人分道扬镳，却仍以朋友相称。 离异之后，SLASH跑到拉斯维加斯，就在那里他遇到了多年熟知的一位年轻妇女，她名叫Perla Ferrer, 两人开始了频繁的约会。最终他们开始同居生活在了一起，不久乐迷便能在蛇穴乐队的巡回演出中，俱乐部里或电视上看到Perla的身影。这表明Perla对SLASH来说有着特别重要的地位。2000年，两个人便定了婚。Perla佩带的璀璨夺目的钻戒就是由SLASH亲自设计的。同年10月15日，他们在毛伊岛上进行了庄严隆重而具宗教特色的婚礼。新娘穿的是一身无吊带的带褶皱的白色长婚纱，手捧一束鲜花，和她的棕色长发非常相配。而SLASH穿的则是崭新的黑色皮短裤和白衬衫，他的黑夹克和花环和新娘的鲜花搭配的非常协调。所有的乐迷，朋友，家人都深深祝福他们婚姻幸福。随后,夫妇两重新回到洛杉矶并打算在那里买房子。2002年2月，SLASH和Perla宣布他们将会在9月份拥有他们的第一个小孩！SLASH的生活方式在这几年里改变了很多，已经从一个狂热的摇滚手变成了现在的丈夫角色，不久又将为人父。但是有些东西却一点没变----SLASH对音乐的执著、他的妻子、他的乐迷、他的朋友以及加州的气候和洛杉矶的家。如果你住在Sunset Boulevar地区，那你就有可能会遇到SLASH和他的妻子还有朋友或者乐队在闲逛。他看起来非常健康，非常快乐，但是你仍然可以从他的眼睛里看出他对摇滚音乐的疯狂。 当谈及他的一些电视和电影时，SLASH表示他并没有想去成为一名演员。他只是热爱音乐，喜欢跟许多艺人一起演奏。年轻时候他组织了一个又一个的乐队，现在的他依然没有改变多少，他始终寻找一切的机会去演奏音乐。他的一个亲戚给他起的绰号叫“SLASH”，他说SLASH总是很忙，有着做不完的事情，所以称他为“SLASH”实在是名副其实的。

Steve Vai

    他是后达达主义乐派frank zappa的主奏吉他手。他是名吉他手joe satriani的爱徒。他待过重摇滚whitesnake和david lee roth等乐队。他更是两度来台表演吉他神技。他是－steve vai！
    1960年出生於纽约长岛的吉他英雄steve vai自13岁起便以吉他手的身份自组乐团，并受到恩师joe satriani的提携与指导。由於天赋异禀，加上後来他至著名的柏克莱音乐学院学习爵士乐和古典乐，使得当时年纪轻轻的他就拥有令人惊叹的高超技巧。早在steve18岁时就受早期的前卫摇滚大师frink zappa赏识，成为该团的吉他手。 1985年接 替yngwie malmsteen成为alcatrazz乐团之吉他手。1986年又为前van halen主唱david lee roth担任吉他手、1989年加入whitesnake协助完成"slip of the tongue"专辑…总总音乐历程，让他在自已个人专辑中常展现各种不同的音乐类型。
      虽然在steve vai的个人专辑中多以硬式摇滚、重金 属曲风为主，但仔细聆听，会发现其中多包含爵士、放克、古典等…多种感觉与味道。而除了音乐性外，steve在吉他技术上更可奉为当代吉他手的规臬与典范。由日本"young guitar"杂志每年的吉他手票选，前三名中必有一名为steve vai。弹奏技巧上无论"速弹"、"点弦"、至"都已达到如火纯青的地步。特殊的"抖音"技巧与独出一格的吉他音色更突显他的个人风格。
      在他的个人专辑中，几乎每张的风格都不太一样。有些专辑中收录的歌曲，是属於比较实验性的作品，初次接受可能有人会不太习惯。但由此证明steve vai是个勇於创新的人，不断向新的曲风、尝试迈进。
      80年代中期，steve vai开始希望有一把不同于一般型号的吉他。他需要一款真正属于自己的吉他，一款不光音色好，而且漂亮的吉他。于是ibanez的jem系列吉他诞生了。同时，steve vai也便顺理成章的成为了ibanez jem系列的代言人。
      在广大摇滚乐迷众所周知的1990年那张经典吉他专辑《passion & warfare》中，steve vai将吉他演奏技巧发挥到淋漓尽致。steve vai以他良好的音乐素养和让人望其项背的技术赢得了“现代吉他上帝”的美誉。在《passion & warfare》的封面上，steve斜背着一把5彩7弦的ibanez jem。于是现在7弦吉他成为了一种潮流。steve vai对使用7弦吉是这样解释的：一天我在弹一把jem，忽然想到如果有第7根弦会不会更有趣，我有一个朋友他的琴是8根弦的，但我想那也太多了点。
      2001年，steve vai带来全新的15首曲调，发行了吉他乐界史无前例的套装现场专辑，展现steve vai的概念艺术计划。而此构想，早在97年澳洲巡回演出时，就有了初步的架构。他想要用不同国家中的传统文化音乐，来反射自己创作原素，表现在各国演唱会中。

      99年时，他发表了"the ultra zone"专辑后，展开世界巡回演唱会，突然临时决定了当年的计划与构想。因此搜集了150张饱含各国民族文化的专辑，走过32个国家，表演104场秀，于是诞生了"alive in an ultra world"专辑。而steve vai在巡回过程中，就运用各个当地传统文化音乐为基础，并也顾虑到文化思考，藉由心灵的想像生活，演奏出构造的真实世界，发挥出演奏家诠释民族的调性。
      此次专辑里的曲目，都是为当时演出国家而临时写的乐曲。他们没有很多时间排演，许多音乐章节都是每天即兴编写，steve vai与团员做出最佳表演。因有些国家的版权问题和硬体技术上的问题，他在写曲之中，不断地重新编写和录制，在巡回演唱会中要克服许多困难，才能得以实现计划。

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Gary Moore, Still Got The Blues

      Gary Moore 是众所周知的来自英伦群岛的著名音乐家之一。他的音乐生涯可以追溯到六十年代，很少有音乐家们没有受到著名的摇滚乐队-Thin Lizzy, Colosseum II 和Skid Row等的影响下的下去创造他们的音乐。 在 2001年3月12号，星期一，Gary Moore出版了他的全新专辑，Back To The Blues.

      Gary Moore 出生在北爱尔兰的Belfast ，1952年4月4号。 和那个年代的很多人一样，他开始的时候也是听着猫王的音乐玩Rock and Roll. 在60年代中期家乡，通过Beatles, Jimi Hendrix和John Mayall的Bluesbreakes Gary Moore 开拓了的眼界，他开始认识到了Blues音乐的广阔世界。Peter Green演绎的 blues guitar 更是点亮了 Gary 的无限的天才。 不久后，gary就已经成为倍受瞩目的青年音乐奇才。其实，是Green促成了Moore的事业，gary也漂亮地以他1995年发行的专辑 Blues For Greeny 来答谢Green.

      1979年，凭借由Phil Lynote客串演唱，Gary弹主音的单曲Parisienne Walkways, Gary的事业蒸蒸日上。这首歌在那年的4月进入了英国十大，自然的，接下来的专辑，Back On The Streets，也被广为接受。

      Gary 的第一支著名乐队，the power trio Skid Row, 在1970年同CBS label签约，同时，Gary 也搬去了Dublin，他的好朋友Phil Lynott也随即成了该乐队的主唱。Gary和这支乐队出了3个唱片，在乐队因为他要单飞解散之前，他们去了美国并帮助Allman Brother和许多其他乐队。但是不久后，Gary重组乐队Thin Lizzy，Phil Lynott 代替了Eric Bell成为主唱。Gary在这个乐队中表现不多，但在1977年Brian Robertson离开乐队后他重新获得了他的位置，并在1978年开始了名为"Black Rose" 的巡回演出。

      在70年代晚期和80年代初期，Gary一直在不知疲倦的寻找自己东西；和Phil Lynott的重组是他又创作了充满力量的热门单曲 "Out In The Fields. 在1987年的专辑，Wild Frontier中，他在探索着他的Celtic(应该是一个民族的名称)的本性。但是直到1990年的专辑，Still Got The Blues, Gary音乐才达到了他的创作才能能够充分发挥的巅峰。伴随着这个成功，Gary成为了和Alert King, BB King, Alber Collins 等一样的Blues吉他大师，这也是他的卓越的天才的有力证明。1994年, Gary 在BBM乐队中同Ginger Baker，Jack Bruce完成了一张专辑。然后又开始了他的单飞生涯。

      从Gary的新专辑，"Back To The Blues", 我们看到这个天才的音乐家在用他的新的角度去诠释Blues.在很具试验性的专辑 "Dark Days In Paradis" 和"A Different Beat"后，一个内含10首经典之作象"Stormy Monday","You Upset Me Baby"和"I Ain''t Got You"等歌曲的专辑问世了。这张专辑不亚于是对Gary的音乐的一个回顾。Gary致力于在他个性化的(idiom:不知道翻译的对不对)音乐当中去融合，匹配对立不同的风格，并显示了他出凡的感觉和炫目的技巧。录音时几乎是在录录音棚里的现场（应该是一气呵成的意思吧），"Back To The Blues" 摇摆，摇滚，表现出Gary Moore是一个真正德Blues的捍卫者。可以说2001年Gary在他公认的音乐生涯中达到了他的巅峰，象在60年代第一次看到了Peter Green16岁少年一样，充满了火一样的热情的。

      从传统角度出发，严肃地说，Gary Moore留住歌迷的方法是他每一次新的作品一定是他至今为止最出色的作品，每一次的都使的人们要去重新看待Gary的东西。

      这次，Moore 和前Skunk Anansie的bass手 Cass Lewis以及Primal Scream的鼓手Darrin Mooney组成了"Scars"，金三角组合，新的专辑将会在九月2号，星期六问世。
当Gary听Mooney的前面的两张专辑后，被这个鼓手的充满力量的，精确的鼓声打动了。同时在他寻找bass手来完成组合的时候，Darrin毛遂自荐。

      他们在一起的第一次彩排就很完美，很轻松，很自然。无可厚非的这三人走到了一起。仅仅几个月后，他们的新专辑就大功告成了。重金属，旋律，扭曲的摇滚又会另很多人着迷。

      伴随着Gary Moore的音乐生涯的新的方向，新的乐队拥有更加强大的热情和纯粹的天才，显而易见，2002年，Gary Moore 不会再忧郁了！

[此贴子已经被作者于2007-4-24 22:01:43编辑过]

金属教父------------OZZY OSBOUNCE

Ozzy，一个真正的超级明星，一个和猫王、列侬站在同一高度的家伙。不过这个叫做两个O的家伙和那些超级明星的一个基本不同点就在于，如果他下午要到你家里喝茶，你的妈妈会担心的，甚至很害怕。 不过事情并非那么简单，关于Ozzy的故事跨越了三个十年，这些令他臭名在外的事情并非全都是那么真实，虽然Ozzy似乎也乐于把自己塑造成一个恶魔的形象。实际上，这些传说不过是Ozzy这四个字母所代表的一小部分，当人们努力把Ozzy塑造成一个不现实的形象时，通常忽略了这个人动荡经历中最重要的一部分：音乐，整整影响了三代歌迷和音乐家的音乐。 　 “我无法严肃对待那些摇滚明星之类的东西，有本书叫做‘如何成为摇滚明显’，在第一页上写到‘首先你需要一个律师’而不是‘首先你需要有天赋和运气’。去他妈的，我来自伯明翰郊区的阿斯顿，我就会做他妈的那种粗糙的街边音乐，这就是我需要知道的全部东西，你明白么？”Ozzy这样解释他的明星地位。 　　不过，幸亏作为中国人的我们没有太多机会去了解关于Ozzy的传闻逸事，这倒正好可以让我们冷静地看待Ozzy的生平和他的音乐。

John Michael Osbourne，出生于1948年12月3日的英国伯明翰。他的音乐生涯开始于60年代末，那时他和吉他手Tony Iommi，贝司手Geezer Butler以及鼓手Bill Ward一道组建了布鲁斯摇滚乐队Earth。当他们的风格逐渐发展成重金属之后，乐队改名为BLACK SABBATH。BLACK SABBATH以其缓慢黑暗的旋律和压抑的主题而在整个70年代乐坛独树一帜，他们是当之无愧的金属音乐创造者。BLACK SABBATH首张专辑Black Sabbath录制于1970年，之后他们陆续发表了经典之作Paranoid（1970），Master Of Reality（1971），Vol. 4（1972），Sabbath Bloody Sabbath（1974）和另外几张专辑，在1978年Never Say Die发行后，Ozzy Osbourne由于父亲去世而不断酗酒，他低迷的精神状态不能跟上乐队的节拍，从而被BLACK SABBATH开除。（关于Ozzy在BLACK SABBATH这一阶段的事情将在BLACK SABBATH传记中作更详细的介绍） 　　在妻子和经纪人Sharon Osbourne的帮助下，Ozzy逐渐走出低谷，开始组建自己的个人乐队。乐队的吉他手是天才的Randy Rhoads，来自QUIET RIOT乐队，他是个深受古典音乐影响的摇滚吉他手和颇有名望的吉他老师。在Randy和贝司手Bod Daisley，鼓手Lee Kerslake的合作下，Ozzy Osbourne的首张专辑于1981年发表了，这就是经典的Blizzard Of Ozz（Ozz风暴）。这张专辑在某些地方仍然继续了BLACK SABBATH的成分，如一些神秘主义的歌词，而且吉他同样是喧闹而沉重的，但其音乐本身却有了巨大的变化。个人演奏技巧（当然是指Randy Rhoads）的展示更为突出，而且加入了来自Randy那具有古典主义气质的音乐元素。这张专辑推出的正是时候，英国的新浪潮重金属点燃了全世界的金属火焰，这张Blizzard Of Ozz也成为其中一份（尽管它并不属于这个流派），它很快升到了英国专辑排行榜的第7位，在美国排行榜上也取得了21位的好成绩。这些并不足以说明这张专辑的经典程度，因为直到今天，这张专辑仍然一直在出售，而当1997年Ozzy的所有专辑推出Remaster版本的时候，第一张专辑是销量最 Blizzard Of Ozz的成功恢复了Ozzy Osbourne的信心，他终于相信自己离开了BLACK SABBATH之后还是可以做出一些成绩来的，于是在短暂的巡演之后，他又开始录制第二张专辑Diary Of A Madman（狂人日记），就在这之前，Kerslake和Daisley离开了乐队，取而代之的是Tommy Aldridge和Rudy Sarzo。这张包含了一首描写吸毒歌曲（Flying High Again）的专辑虽然招致了批评家的诋毁，但仍然因其出色的音乐而成为一张畅销专辑，并在美国专辑排行榜上取得16位的好成绩。这张专辑现在被大多数歌迷誉为仅次于Blizzard Of Ozz的经典专辑，而这也是Randy Rhaods参与录制的最后一张录音室专辑。 　　在Diary巡演的途中，这张专辑的销量不断地增加，而同时BLACK SABBATH的专辑销量却逐渐缩减。Ozzy Osbourne似乎毫不费力地就吸引了更多的歌迷，他的事业看上去就快达到颠峰了。不过，事情并没有如预料般发展，他被指控虐待动物，同时就这件事爆发了一场激烈的论战。事情的起因是这样的——在一场演出过程中，一支蝙蝠被歌迷扔到台上，Ozzy Osbourne拿起蝙蝠用牙齿把它的头咬了下来，但同时也被蝙蝠咬了一口，演出就此取消，因为Ozzy不得不赶往医院注射狂犬疫苗。时候Ozzy称他当时以为蝙蝠是假的，直到蝙蝠咬了他，他才意识到发生了什么，不过已经为时过晚。最终Ozzy Osbourne逃脱了官司的困扰，但他已经被媒体渲染成一个噬血的恶魔。 祸不单行，就在蝙蝠事件发生后不久，Randy Rhoads在一次意外的飞机事故中被夺去了宝贵的生命，乐队的成功之旅来了个刺耳的急刹车。Ozzy失去了最好的朋友，他又一次遭受了重大的打击，陷入深深的沮丧之中。原本计划出版的现场专辑也就此取消，取而代之的是1983年出版的现场专辑Speak Of The Devil（魔鬼的演说），这不是Randy的遗作，而都是BLACK SABBATH的老歌，由Brad Gillis担任吉他手。出版这张专辑的目的是为了抵制BLACK SABBATH的现场专辑Live Evil的发行，在SABBATH的这张现场中，Dio演唱了Ozzy时代BLACK SABBATH的老歌，Ozzy对此感到愤怒，因为Dio居然用他的歌曲来赚钱和出风头，于是他临时召集了几个乐手举办了一场演出，演唱的歌曲全部是BLACK SABBATH的老歌，然后将这个现场录制成专辑发表。由于演出进行得比较仓促，乐手也不是一流水准，这张专辑的质量并不很高。 　　出版了现场专辑之后，Ozzy Osbourne和JET唱片公司的和约就算完成了，成为自由人的Ozzy希望得到大公司的资助，于是他来到Epic唱片公司用一种特殊的方式得到了这份工作：在Epic公司正在开会的时候，他喝得烂醉，闯到会议室中，手里拿着两只鸽子，然后他放走了一只，然后用杀死蝙蝠的方法杀死了另一只鸽子。就这样，Ozzy Osbourne得以和Epic公司签约。 Jake E. Lee成为Ozzy下一张录音室专辑的吉他手，这张Bark At The Moon（向着月亮嚎叫）的封面上Ozzy打扮成人狼的样子，戴着尖利的假牙，看上去果然象是一个会咬死小动物的家伙。这张专辑并不如前两张专辑那么出色，不过仍然取得了相当的成功。Ozzy Osbourne在华丽金属新贵MOTLEY CRUE的支持下进行了新一轮的巡演。 　　Jake E. Lee看来不是一位适合Ozzy的吉他手，Bark At The Moon得到的评价并不理想，而1986的新专辑Ultimate Sin（原罪）甚至更令人失望，被挑剔的评论家斥之为“冗长”和“无趣”。确实，这张现在被公认为Ozzy Osbourne最差的录音室专辑的唱片中，只有一首真正的好歌，就是Shot In The Dark。这张专辑中的歌曲，日后也只有这首Shot In The Dark出现在Ozzy的现场演出中。不过，评论家的文字并没有影响到Ozzy的号召力，这张专辑仍然有着相当好的销量，因为这时的Ozzy已经成为这样的一个超级明星：当他的音乐被看好时，人们固然要去买来听，当他的音乐被批评时，人们也想买来听听以知道究竟不好在哪里。 　　1986年还发生了一件对Ozzy不利的事情，他被指控在Blizzard Of Ozz专辑的一首歌Suicide Solution（自杀解决）的歌词中用潜意识的信息去鼓励人们自杀，因为有位自杀的少年临死的时候就在听这张专辑。Ozzy自己解释说这首歌是在酗酒之后下意识地创作出来的。尽管最后官司不了了之，Ozzy终究再次赢得了负面的声望。 1987年，Ozzy终于作出决定，开除了表现不佳的Jake E. Lee，在没有找到合适吉他手的时候，他决定发表一张现场专辑，取自于5年前本应出版但却由于Randy Rhoads的去世而取消的现场录音。为了纪念Randy，他将这张现场取名为Tribute（致敬），封面是舞台上Ozzy将Randy举过头顶的照片。在整整5年之后，歌迷们终于听到了Randy Rhoads，一位天才的吉他手留下的天鹅之歌。这张专辑推出了立即引起轰动，无论乐迷或是乐评都对之赞不绝口，因为Randy的音乐生涯实在是太短暂了，他在世间只留下了四张录音室专辑（QUIET RIOT两张，OZZY两张），这张现场无疑让饥渴的Randy迷以及他的学生大饱耳福，同时可以借此怀念Randy（1993年，QUIET RIOT也推出了一张纪念Randy Rhoads的专辑The Randy Rhoads Years，收录了一些早期QUIET RIOT的歌曲，一些未发表曲目和现场曲目，这同样是一张值得收藏的专辑）。

1988年，Zakk Wylde加入了Ozzy Osbourne，这位年轻的吉他手深得Ozzy赏识，他们很快录制并发行了新专辑No Rest For The Wicked（劣迹昭彰）。Zakk稳健而富有激情的演奏为专辑赢得了一片喝彩，虽然只有8首歌，但复杂的歌曲编排和恰到好处的键盘使整张专辑充满趣味， 专辑中最精彩的歌是Miracle Man，在歌中他讽刺了长期敌人，传教士Jimmy Swaggart，这位教士屡次在公开场合称Ozzy是恶魔化身。No Rest For The Wicked在音乐的平衡度上可能是Ozzy所有专辑中最好的，Ozzy最早的两张专辑一样具有相当的音乐品位，同时又保持了很强的流行因素，可以说是Ozzy Osbourne最为成熟的作品。 　　1990年，Ozzy发表了一张EP，即Just Say Ozzy，收录了1989年11月的一次现场中录制的6首现场版歌曲，其中包括两首BLACK SABBATH的老歌Sweet Leaf和War Pigs。由于Ozzy在巡演中找来了老搭档Beezer Butler演奏贝司，这张EP也就显得比较有趣。 迈进90年代的Ozzy Osbourne随着年纪的增大已经渐渐丧失了早年的热情，再加上他日益强烈的与家人共处的愿望，在发行了新专辑No More Tears（不再流泪）之后，他对外宣称，No More Tear的世界巡演将是他退休之前的最后一次巡演了。不过或许没有乐迷会相信他说的话，因为他们都知道，这个老家伙肯定不会耐得住寂寞的。No More Tears于1991年秋天发行后得到了良好的回应，这张加入了大量流行因素的专辑很快达到了白金唱片的销量，乐迷和乐评都一致承认，这是一张非常好听的专辑，尽管可能过于流行化了一点，但并不影响它成为一张出色的专辑。专辑中的一首I Don't Wanna Change The World甚至获得了格拉美的“最佳重金属单曲”奖。不过正是90年代初重金属流行化的过于泛滥而直接导致了自身的衰退，在歌迷听过了太多流行味十足的重金属，如GUNS 'N' ROSES的Use Your Illusion，METALLICA的同名专辑，IRON MAIDEN的Fear Of The Dark之类的音乐后，逐渐感到乏味，从而把目光投向了更为陌生的Grunge音乐。 1993年发行的双张现场专辑及录象带Live And Loud（喧哗与骚动）就象是Ozzy Osbourne音乐生涯的一个总结，2个多小时的现场音乐囊括了自BLACK SABBATH以来的大量经典曲目。这套精彩的现场专辑宣告了一个时代的结束，Ozzy是否还能象从前那样充满激情地做出令世人瞠目结舌的怪诞举动和伟大音乐呢？ Ozzy的退休计划果然未能实现，1995年，他又发行了新专辑Ozzmosis，让所有重金属歌迷吃惊的是，这张专辑居然是以慢歌为主！这张奇怪的专辑得到了好坏两方面的评价，但是不管怎样，这张专辑在一年内卖出了300万张之多，而且接下来的巡演也是当年最红火的巡演之一，这足以说明，Ozzy这个名字还是具有极大号召力的。Ozzy的号召力不仅是对歌迷而言，对于许多摇滚乐队来说，他同样是个教父般的人物。1996年，Ozzy首创了Ozz-Fest巡演，他找来了众多知名的重金属乐队一起进行了联合演出，其中包括了SLAYER、PANTERA这样响亮的名字。尽管这年的ozz-Fest只进行了两场演出，但演出实况非常理想，最后将现场整理出版了一张现场专辑Ozzfest。这之后Ozzfest的影响逐年扩大，到现在已经成为欧美夏季最大的系列巡演。 1997年是个特殊的年头，这年的Ozz-Fest囊括了PANTERA，MARILYN MANSON这样的当红乐队，而且还包括了一系列BLACK SABBATH的重组演出。SABBATH的原始阵容除了鼓手Bill Ward外全部参加这次重组活动。在Ozz-Fest中愉快的合作使BLACK SABBATH成员决定全部重组，把Bill Ward叫上，四个人一起在家乡伯明翰进行演出，重新回顾一下当年的情景。当Ozzy等人将这个消息通知Bill时，Bill决定参加这次活动。于是在11月份，四个人来到伯明翰举行了重组的演出，演出实况空前热烈，BLACK SABBATH以50岁的年纪为家乡的歌迷表演了两个多小时实实在在的重金属音乐。这次演出的现场后来被收录在1998年的BLACK SABBATH双张专辑Reunion中，其中还包括了两首Ozzy与Tony Iommi联合创作的新歌，同样是沉重的金属音乐。1997年Ozzy还抽出时间来出版了自己的一张个人精选专辑The Ozzman Cometh，其中收录了一些经典曲目和一些未发行版本的歌曲。 　　1999年和2000年，Ozzy一直处于半退休状态，除了继续组织和参加OzzFest音乐节外，露面比较少了，大多数时间用来陪伴家人了。2001年，Ozzy终于推出了期待已久的全新专辑Down To Earth，依然由Zakk Wylde担任吉他手，风格很大程度上还是延续了上一张Ozzmosis的沉重和缓慢，同时增加了一些根源金属的元素，是一张非常不错的专辑。本站已经有这张专辑的碟评。 　　“你可以很容易的说，嘿，你是Ozzy Osbourne，一个摇滚明星，生活对于你来说是不是很伟大？但是我犯的错误比一般人还要多的多。我从伯明翰一个普通工厂的工作中逃脱了出来，我也不需要去抢银行，我对此感到满足。我对活着感到幸运，我对我的孩子们能够去好一些的学校感到幸运，这些就是我得到的最大报偿，因为我的教育糟糕透了。我从学校里出来的时候基本上就是个文盲。”这就是Ozzy，一个实在的摇滚音乐家，一个真实的人。

James Marshall Hendrix

      原名詹姆斯.马歇尔.亨德里克斯(James Marshall Hendrix)，1942年11月27日出生于华盛顿州的西雅图。吉米.亨德里克斯生长于一个贫穷的黑人家庭，他是摇滚历史上最伟大的电吉他天才和60年代末唱片工业摧毁力量的牺牲品。亨德里克斯在上学期间就自学吉他，并热衷于听南方布鲁斯歌手的作品，从罗伯特.约翰逊(Robert Johnson)到B.B.金(B. B. King)。1961年，他在美国伞兵服役期间，在部队俱乐部演奏音乐，并结识了贝司手比利.考克斯(Billy Cox)。
      在亨德里克斯以后的生涯中，他对亨德里克斯的帮助很大。退役后，亨德里克斯参加了一些音乐家的演出。在他移居纽约之前，他还与小理查德(LittleRichard)、艾克和蒂娜.特纳(Ike and Tina Turner)合作过。当他在纽约的黑人俱乐部里为“艾斯利兄弟"(IsleyBrothers)、金.柯蒂斯(King Curtis)和其他乐队伴奏时，被实业家埃德.查普林发现，并与他签订了录音合同，还使他成了“柯蒂斯骑士”(Curtis Knight)乐队的主音吉他手。同时，亨德里克斯作为一个吉他手的绝顶天赋被前“动物”(Animals)乐队的贝司手蔡斯.钱德勒(Chas Chandler)所赏识，并向他许愿把他培养成顶级歌星。亨德里克斯被他打动了，并于1966年随他到了英国。
      在伦敦，“吉米.亨德里克斯经验”(Jimi Hendrix xperience)乐队组建，这是一支有魔力的三人乐队，主音吉他兼主唱亨德里克斯，贝司手诺埃尔.雷丁(Noel Rid ding)和鼓手米奇.米切尔(Mitch Mitchell)。该乐队几乎一夜成名，尤其是亨德里克斯引起了英国流行音乐界的极大关注，据报道，那年冬天，埃里克.克拉普顿(Eric Clapton)和皮特.汤森(PeteTownshend)观看了他所有的演出。1967年夏，他成功地进行了英国、德国和斯堪的纳维亚巡回演出，并录制了热门单曲“嘿，乔”(Hey Joe)和“紫雾”(Purple Haze)以及专辑《你经历过吗?》(AreYouExperienced?)在保罗.麦卡特尼(Paul McCartney)的大力推荐下，他参加了蒙特雷音乐节，他的成功使他跻身于世界超一流歌星的行列。作为一名黑人歌星，人们注意到，他的听众几乎都是白人，他是第一位赢得所有白人听众的黑人歌星。
      1969年，他却面临巨大的政治压力——黑人团结，但他并不懂政治，因此感到不解和紧张。在商业方面，1968年是最成功的一年，《像爱一样勇敢》(Axis: Bold As Love)(1969)和《电子女儿国》(ElectricLadyand)都成为金唱片，他还从音乐会及无可争辩的超级歌星的身份中赚取了大量的金钱。在1968年底，他被认为是其他“激进摇滚”吉他手的鼻祖。他那忧郁而激动人心的独特风格，体现了强烈的布鲁斯音乐的情感。爵士乐大师迈尔斯.戴维斯(Miles Davis)甚至预言他将成为一名伟大的爵士乐吉他手。他的演奏具有很浓的实验色彩，把电吉他的技巧和功效发挥到了不可思议的地步。但当他进一步成功时，麻烦也随之而来了。
      1968年1月，他因与贝司手诺埃尔.雷丁争吵斗殴而被拘留，这标志着乐队成员之间的关系激剧恶化。一个月之后，在他第二次环美旅行演出中，他放弃了舞台表演中所有花哨和噱头，直接表现他那复杂的音乐。这一举动遭到了观众的反对，亨德里克斯为逃避这种反应，取消了47天中的54场演出，并用大量吸毒的狂乱生活方式麻醉自己。他消瘦了许多，并指责他的经理人对他的钱财管理不当。除了他的魔力在公众中的巨大影响，1969年却是一个不顺之年，他的经理人蔡斯.钱德勒被解雇，“吉米.亨德里克斯经验”乐队解散，一个多伦多的毒品贩子控制了他，整整一年，金钱如流水般地花掉，他的私生活更加无序。同时，他还面临来自黑人听众的巨大政治压力，要求他组建一支全黑人乐队。尽管他在纽波特音乐节上露面，并重新启用米奇.米切尔，还邀请他的朋友比利.考克斯(Billy Cox)任贝司手，他的现场演出还是比以前大大减少了。一个月后，他在伍德斯托克音乐节露面，这是他音乐生涯中的最后高潮，同年12月，他的全黑人乐队(“吉普赛人乐队”(Band of Gypsies)终于组成)，但他对乐队第1张专辑并不满意，不久在纽约麦迪逊广场花园演唱会后“吉普赛人乐队”宣告解散。此时，他还在准备下一个双张套专辑《新升太阳的第一束光》(FirstRays of the New Rising Sun)。此后，亨德里克斯重组“吉普赛人乐队”，乐队由亨德里克斯、考克斯和巴迪.迈尔斯(Buddy Miles)组成，到夏威夷拍电影，开更多的演唱会，在新开的“电子女儿国”录音棚里录音。8月份，他最后一次离开美国，参加怀特岛音乐节。当时舆论认为他那次表演水平并不高，可现在回想起来，那次表演依然十分出色，接下来的欧洲巡回演出被缩短了。亨德里克斯于9月中旬回到英国。
      1970年9月18日，他因过量服用安眠药剧烈呕吐窒息而死。当时亨德里克斯心理压力很大，种种迹象表明他并非自杀——他的死只是个悲剧事件。许多人认为亨德里克斯死的时候，灵感已枯竭。摇滚歌星们应该知道在这种职业生涯中该如何保护自己,可惜一个人在青云直上时不会明白，而等他明白时，已经太晚了。亨德里斯从来不知道如何筑起保护墙。我们不能说他在70年代的作品缺乏创造力，不幸的是亨德里克斯的音乐深奥重要之处已被营利目的搞的面目全非——《新太阳的第一束光》这张未完成专辑中的大部分歌曲被收录在亨德里克斯死后最初出版的两张专辑《爱之哭泣》(Cry of Love)和《彩虹桥》(Rainbow Bridge)。
　　随后，突然之间到处都出版了亨德里克斯拼凑歌曲的专辑，直到1974年制作人艾伦.道格拉斯(Alan Douglas)开始接管他的遗作时，情况才消失，道格拉斯最初出版的两张“新”专辑《紧急着陆》(Crash Landing)和《午夜之光》(Midnight Lightning)全都是把亨德里克斯1969－1970年的录音室原声经过道格拉斯把吉他以外的噪音抹去，再重新加上乐手的伴奏而编辑的，如果说这些专辑毫无生机的话。那么